UN TOQUE DE AZUFRE

Bright Light Film Journal es un revistón de cine "on line" para mear y no echar gota, lo que se dice la pera. Un nivel de textos estratosférico, una selección de temas intachable, un punto de vista crítico siempre afilado y, cómo no, esa versatilidad analítica, esa capacidad todoterreno que tanto echa uno en falta en gran parte de los textos sobre cine escritos en castellano, ya sea en la Red o en papel. Es decir, lo que hace unos años llamábamos una publicación "con actitud".

Y es que destilan tal inteligencia sus artículos que da gusto leerlos hasta cuando no estés demasiado de acuerdo (en mi caso, sin ir más lejos, en el reciente sopapo que le han metido a Closer).

No obstante, lo que ha motivado mi mención a Brigh Light era que quería llevaros hacia este interesante artículo, aparecido hace meses, donde se establecen unos acertados paralelismos estéticos y conceptuales entre la obra de Leni Riefenstahl y los magistrales y sensualmente amnióticos títulos de crédito creados por (sobre todo) Maurice Binder para la serie fílmica de James Bond.



Y a quien se le haya despertado el gusanillo por saber más sobre dichas secuencias de apertura, algunas ya legendarias, le recomiendo pasarse por aquí, y dejarse arrullar por la tersa ampulosidad característica de los trabajos de Robert Brownjohn, Binder y el "heredero" Daniel Kleinman. Hala pues.

Apenas un puñado de fanáticos de la animación primitiva recuerda hoy en día quien fue Oswald the Lucky Rabbit. Consultando cualquier enciclopedia de la animación (alguno de mis amigos tiene aún en su poder el libro de Maltin; por Dios, que se identifique y me lo devuelva de una vez) se aprende que este conejillo fue el personaje que sirvió a Walt Disney y a su explotado "amigo" Ub Iwerks para sentar las bases estéticas y humorísticas sobre las que poco después plantarían los pilares de su posteriormente exitoso Mickey Mouse. Concebido en principio para ser un apresurado (y clónico) sustituto del que había sido concebido como personaje estrella de la emergente compañía de Disney, cuando Universal rompió con él, arramplando con los derechos de Oswald y llevándose a todos sus empleados (excepto al leal Iwerks), Mickey no tardó en obtener muchísima más aceptación que su predecesor. Es decir, el sucedaneo derrotó al original, siendo el primero, de los muchos casos que vendrían años después, en que el espabilado Walt rió el último en la agitada industria de los dibujos animados del pasado siglo.

A partir de 1928, Oswald, ya en poder de la Universal, y el recién nacido Mickey (que al principio se llamó Mortimer), coexistieron en el seminal mercado de la exhibición fílmica. En primer lugar, Universal puso al conejo en manos de Charles Mintz, quien apenas un año después era expulsado, encontrando a continuación un nuevo hogar en Columbia, donde se responsabilizaría de los primeros (y maravillosos) cortos sonoros del Krazy Kat de Herriman. Walter Lantz, quien años después triunfaría con su Woody Woodpecker ("el pájaro loco", para nosotros los hispanohablantes) ocupó el lugar de Mintz, a las riendas de las cada vez menos exitosas aventuras de Oswald.



Entre 1928 y 1929, se produjeron 26 cortometrajes protagonizados por el conejo, que con el paso del tiempo han terminado por constituir un capítulo más bien ignoto en la historia del arte animado (ni siquiera Maltin los documentó en su "Of Mice and Magic). Son "cartoons", a caballo entre las etapas producidas por Disney y Lantz, olvidados en toda regla, pese a que en su fabricación participasen talentos de la talla de Rudolph Ising o el legendario Friz Freeleng, futuro pilar de los "Looney Tunes" de la Warner (donde, por cierto, también parasitarían algunos hallazgos de Oswald para su, por entonces estelar, Bosko).

Muchos más detalles de la historia de Oswald the Lucky Rabbit podréis hallarlos aquí, una sabrosa base de datos confeccionada por los especialistas David Gerstein and Pietro Shakarian, en el seno del imprescindible Cartoon Research. Una cita obligada para todos aquellos que sentimos una irresistible atracción por la monocromática animación de las cavernas."

El mes pasado escribí esta crítica para la revista "Fotogramas":

REENCARNACIÓN

por Antonio Trashorras

Dirección: Jonathan Glazer. Intérpretes: Nicole Kidman, Danny Huston, Cameron Bright, Lauren Bacall. Guión: Jean Claude Carriere, Milo Addica y Jonathan Glazer. Fotografía: Harris Savides. Musica: Alesandre Desplat. Título original: Birth. Nacionalidad: USA, 2004.

Quien vea esta película atraído por los datos más obvios de su lanzamiento (ultratécnico “gurú” de la publicidad + diva hollywoodense + género así como fantástico-terrorífico...) seguramente se quede atónito ante el extraño resultado obtenido con dichos ingredientes. No obstante, los cinéfilos que reparen en el nombre de Jean Claude Carriere como guionista quizá afronten más preparados lo que, en realidad, no es sino un ejercicio de clonación del estilo distanciado, por momentos semiautista y poco menos que abstracto, de cierto cine europeo de hace unas tres décadas, frecuentemente asociado a la propia filmografía del ex colaborador literario de Buñuel.



Y es que este segundo largo del director de la juguetona "Sexy Beast" y de algunas de las piezas cortas más impactantes de la última década, encaja como un guante dentro de la obra de Carriere, plagada de obsesiones como el deterioro de la cotidianeidad por culpa de sucesos nimios, los secretos conyugales, “lo fantástico” como mirada y no cómo armazón dramático, etc. Mezcla de “psycho-thriller” sensorialmente gélido y atormentado drama verbalizado en susurros, Reencarnación demuestra hasta que punto el guionista cuenta con un discurso autoral, al tiempo que el virtuoso Glazer hace gala de una encomiable lucidez sometiendo su puesta en escena, por la vía del minimalismo elegante, al turbio juego de simbologías y metáforas propuesto por Carriere.

PARA ESPECTADORES SOFISTICADOS.

LO MEJOR: Su logrado clima de estupor, y una Kidman tras la afrancesada estela de Deneuve, Seberg, Anna Karina, etc.

LO PEOR: Lo cerebral de la propuesta.



(Sí, de nuevo cedí a la tentación de incluir más imágenes de las necesarias, pero... ¿cómo resistirme a la incomprensible belleza de esta nueva y subyugante Nicole resultado de tan exitosa reconstrucción integral?)

¡Pues sí! Aunque hemos tardado años en enterarnos, ahora resulta que el "western" "Río Grande" era más un precedente de "Encuentros en la tercera fase" que de "Aquí llega Condemor (el Pecador de la Pradera)". No me he tomado nada tóxico, tranquilos... Es que resulta que con motivo de la restauración de la película de John Ford alguien se ha dado cuenta de que en una escenita más bien anodina entre "el Duque" y Maureen O'Hara, allá al fondo, fondo... en el cielo nocturno (real, ya que la escena se rodó en exteriores de Arizona), se pueden apreciar claramente (o así) las evoluciones de un... esto, OVNI.

Los detalles, más o menos convincentes, los podéis encontrar aquí, y los videos (en WMV) aquí y aquí. Qué tío, este Ford... y que, pese al tiempo transcurrido, sus pelis no dejen de sorprendernos... Por cierto, ¿y Garci qué opinará de este hallazgo?



En fin, a la espera quedamos del descubrimiento del Yeti en un fotograma fugaz de "Las nieves del Kilimanjaro" o del espectro del Che en una escena descartada de "Fresa y chocolate".

Pocas cosas me molestan más que llegar a una casa donde el anfitrión goza de un televisor tamaño cancha de baloncesto y cuando te planta un DVD ("Matrix" o "El señor de los anillos" suelen ser los más socorridos) para fardar de visionado de lujo en su megapantallazo rectangular... va el muy cenutrio y ajusta mal el formato, sin tener en cuenta el ratio visual de esa peli en concreto, tratando, eso sí, en plan paleto, de que la imagen llene toda la superficie. "Si la pantalla es grande, ¡pues habrá que aprovecharla!", piensan semejantes pazguatos. "Pero, alma de cántaro", les digo yo, "¿no ves que te estás cargando todo el trabajo de encuadre de ese pobre cineasta y de ese esforzado operador que se han molestado en componer un plano lo más equilibrado y armónico posible?". Me miran como si estuviera mochales, claro. Eso que tanto me ofende, a ellos no ya es que se la sude, sino que por mucho que se esforzasen jamás llegarían a apreciar realmente el valor de un plano bien compuesto, con sus masas distribuidas de forma perfecta, su aire justo a la derecha, izquierda, arriba y abajo... en fin, esas cosas.

A mí los encuadres me obsesionan, lo reconozco. Es uno de los aspectos en que más fijo al ver una película. Permanecen en mi memoria con más claridad incluso que los movimientos de cámara pluscuamperfectos o las iluminaciones virgueras. Reconozco fácilmente a los directores que me encantan por sus "tics" a la hora de situar la cámara y ordenar la información dentro del plano, y, por ello, cuando veo la obra de uno de ellos destrozada por una emisión televisiva en formato obligatoriamente cuadrado, o mutilada horizontalmente por algún mameluco empeñado en llenar su pantalla 16:9... ¡me hierven las entrañas!



Es por ello que esta página me parece que debería ser de obligada lectura para todo aquel que se compre un pantallón de esos, y ni siquiera se haya planteado que cada película tiene un formato, que los bordes del plano cumplen una función expresiva y que alterar esos márgenes significa algo así como ver la "Maja Desnuda" cortándola a la altura del pubis (qué ejemplos me vienen a la mente, siempre pensando en lo único, jo).

En fin, eso... empollaos los formatos, aprended a reconocerlos, y mirad todas las veces que haga falta la obra de artistas como Leone, alguien que, os lo aseguro, cada vez que se visiona una obra suya en 4:3 golpea con su cabeza la tapa del ataud tratando de salir de allí para evitar semejante desaguisado. Porfa, no defequéis sobre el legado de nuestros maestros. Sed buenos.

Esta es la versión íntegra de la crítica de "Entre copas" que aparece este mes en "Fotogramas". La entregué algo más larga de lo que ha salido publicada. Cosas de la compaginación...

ENTRE COPAS

por Antonio Trashorras

Dirección: Alexander Payne. Intérpretes: Paul Giamatti, Thomas Hayden Church, Virginia Madsen, Sandra Oh. Guión: Alexander Payne y Jim Taylor, basado en la novela de Rex Pickett. Fotografía: Phedon Papamichael. Música: Rolfe Kent. Título original: Sideways. Nacionalidad: USA, 2004. Duración: Género: Comedia dramática.

Mientras el cadáver de la cinefilia europea se pudre en una esquina sin que le importe un bledo a casi nadie, y los viejos filmotequeros malviven atrincherados en la nostalgia, de Estados Unidos llegan algunas de las voces más interesantes del celuloide actual. No es, claro, de Hollywood de donde proceden esas “nuevas miradas”, sino más bien del mundillo (llamémosle así) “sabiondillo” o “gafapasta”. Dentro de ese grupo donde también resoplan cineastas como David O. Russell o los dos Anderson (Wes y Paul Thomas), parece seguro que Alexander Payne será quien antes alcance categoría de clásico. Y es que a diferencia del otro (para mí) talentazo de esta camada, Wes Anderson, genialoide kamikaze de la estilización con mensaje y el humor anticlimático, Payne trabaja desde una cercanía emocional hacia sus personajes y una textura tonal cercana al “mainstream” más digerible (y descodificable) por el público mayoritario.



Humanista desencantado, aunque de menguante ferocidad, con esta su última miniatura agridulce Payne confirma su tendencia a la fábula con guinda catártica que, pese a su aparente heterodoxia, no deja de buscar la complicidad del respetable. Suerte de volcado en pantalla de los mundos literarios de John Cheever o Richard Yates, tamizados por Cassavettes (algo de Husbands se aprecia en este filme), pero primando una voluntad expositiva más ortodoxa y amable, casi digna de Preston Sturges o incluso Capra, Sideways presenta algún que otro momento donde, por vez primera en la filmografía de su autor, se roza (con perdón) lo sentimental. No obstante, es ahí donde el largometraje se erige a la postre en un instrumento perfecto tanto para la emoción como para la reflexión, posibilitando esa empatía popular que, a diferencia de los chistes vegetales y postmodernos del director de Los Tenenbaums, terminará por asfaltar el camino de Payne hacia el reconocimiento masivo.

LO MEJOR: Una de las escenas entre Paul Giamatti y Virginia Madsen, toda una cima de la emotividad.

LO PEOR: Algún que otro lugar común de la crisis de mediana edad.

Mi amigo Juan, un genio del humor, me envía esta bromilla gráfica salida de su fértil cerebro.

Después de reirme a gujto, me ha dado por pensar cuál es margen temporal capaz de convertir una tan negra como certera ocurrencia de este tipo en algo soportable por las sensibilidades más delicadas (no es mi caso, claro; aunque a saber cómo habría reaccionado el 12-S al recibir un chiste así). ¿Hace falta olvidar los muertes, las imágenes espeluznantes y las consecuencias trágicas para apreciar un buen "gag" o te puedes sorprender riendo con un chiste macabro teniendo los cadáveres calentitos en los informativos de ese mismo día? ¿La línea entre la hijoputez y el humor negro es una mera cuestión de meses, años...?

No sé porqué pero me acaban de entrar ganas de releer aquel legendario "Hitler SS" del dibujante Vuillemin. ¿Lo recordáis?

En fin, cosas que uno piensa mientras descansa la cabeza, después de tanto triquitraque.

Ayer volví a ver "La otra cara del crimen" ("The Yards") del magnífico James Gray, uno de los cineastas más dignos de seguimiento de estos últimos años. Me pareció una opción perfecta para neutralizar la idiocia navideña predominante; una peli seca como ella sola, de lectura moral turbia, y eso tan difícil que es la coherencia climática absoluta (lo cual engloba desde la iluminación a las interpretaciones), pero sin el menor gramo de espectáculo en todo su metraje

Para los que en su día se preguntasen porque James Gray se tiró casi cinco años hasta estrenar otro largometraje tras su espléndida ópera prima "Cuestión de sangre" ("Little Odessa"), ahí va una respuesta no apta para sensibles.

Primero: su debut obtuvo muy buenas críticas, sí, pero apenas dio un duro, por lo cual estuvo dos añitos tratando de colocar en algún sitio el guión de "La otra cara del crimen" (que lo he leído y es, sí cabe, todavía más denso que la película). Segundo: tras ser rechazado en muchas productoras por demasiado europeo, lúgubre y lento, el proyecto recala en Miramax, siempre hambrientos de talento joven, donde el director padece otro años de conflictiva preproducción para impedir que su peli se convierta en otro thriller de bajos fondos, cachondo y marchosillo (vamos, "postscorsesiano"; es decir, a lo Guy Ritchie). Tercero: acabado el rodaje, los Weinstein Bros bloquean el montaje y encargan filmar a espaldas de Gray unos diez minutos nuevos, vetando todo el final original. Cuarto: tras meses de litigio y mediante la renuncia a parte de su salario, Gray condigue terminar el montaje casi enteramente a su gusto, si bien Miramax le castiga congelando al largometraje otro añito más hasta estrenarlo con un limitadísimo número de copias, al considerarlo un "thriller" que, pese a las estrellas de su reparto (Theron, Wahlberg, Joaquin Phoenix...) resultaba demasiado reconcentrado y sobrio, es decir, sólo apto para el público minoritario.



Viendo esta soberbia película, que afortunadamente sigue los pasos de aridez expositiva, ambigüedad moral y densidad conceptual de "Little Odessa", uno se pregunta qué futuro le puede a un director tan, digamos, serio; tan obstinado en apartarse de la estandarizada papilla narrativa con que el abrevadero de ficción hollywoodense alimenta sus beneficios. Lo que su cine ha ofrecido hasta la fecha es suspense sin espectáculo, drama sin melo, anclado en la emoción real, de tono bajo, y no en la referencialidad chispeante, tragedias naturalistas con ecos universales... grandes películas, en suma, pero (ay) para mayores de edad. Gray vendría a ser lo más parecido que podemos imaginarnos a un Melville americano, o un Schrader joven sin haberse rendido aún, tratando a duras penas de no ser aplastado por el cine multiplex del siglo XXI. Las va a pasar canutas este Gray...

Parece que fue ayer, pero mira que ha llovido... No diré que eran tiempos mejores, porque ni la nostalgia más descerebrada ni el sarcasmo por mucho que se extreme dan para tanto, ahora bien, en estos tiempos de mustia corrección política, tampoco viene mal de vez en cuando echar un vistazo al retrovisor de nuestra cultura popular y colocar unas cuantas ideas en su justo contexto. Para ello un lugar especialmente estimulante es "La web de Izaro Films", un abismo insondable de horrores fílmicos pertenecientes a nuestra historia más reciente, y cuyo recuerdo, insisto, debería acompañarnos siempre que la percepción social patria se nos desenfoque a fuerza de recibir influencias externas, o dejarnos emborrachar por un mimético cosmopolitismo de saldo. Si uno es lo que come, posiblemente un país nunca deje de ser lo que ha excretado, es decir, su historia. Vamos que, "La web de Izaro Films" nos muestra más de nosotros mismos, de esa faltona creatividad ibérica tan limítrofe con la oligofrenia, de lo que quisieramos reconocer.



Pululando por esta página uno encuentra carteles con potencial para causar infartos mentales, títulos de largometrajes por los cuales hoy alguien acabaría entre rejas ("Agítese antes de usarla", "¡Que vienen los socialistas!", "Ellas los prefieren... locas") y textos que desafían todo entendimiento como un increible panegírico a Mariano Ozores o grandiosos (no en tamaño, pero sí en mensaje) tributos a las hermanas Hurtado, Fedra Lorente o Juanito Navarro y la Maña. Muy intenso todo.



No puedo evitar irme sin copiar aquí algunos pasajes particularmente ilustrativos de lo que podéis encontrar en este tunel del espanto humorístico carpetovetónico. Por ejemplo:

El final del franquismo y de la censura fue algo esperado por muchos cinéfilos, pero en especial por Mariano que a partir de 1975 dirigiría algunas de las más bellas e inclasificables películas de su filmografía. "Los pecados de una chica casi decente" (1976) o "Celedonio y yo somos así" (1976), podrían enmarcarse dentro de la etapa más madura del genial director madrileño y en la que se empieza a diferenciar una mayor preocupación por la situación política de aquellos momentos, pero sin descuidar la clarividencia para la comedia que había mostrado hasta entonces.



Después de algunos títulos de encargo como "Ellos las prefieren locas" (1978), "El apolítico" (1978) y "Cuentos de las sábanas blancas" (1978) en los que Ozores dejaba su sello personal por muy rutinarios y comerciales que fueran los proyectos, llegaría la oportunidad de realizar la obra en la que había estado trabajando durante varios años y en la que alcanzaría su plenitud como realizador: "Los bingueros" (1979). Considerada por muchos como una de las tres mejores películas españolas de todos los tiempos, fue un éxito arrollador de público y crítica desde que se estrenó. La conjunción de dos actores en estado de gracia -Andrés Pajares y Fernando Esteso dieron una lección de saber estar sólo comparable a la de Cary Grant y James Stewart en "Historias de Filadelfia"-, y el maravilloso ritmo narrativo digno del mejor Wilder hicieron de esta película el acontecimiento cinematográfico de la época. Las reminiscencias de Vértigo en la estructura de Los bingueros son evidentes: hay un claro paralelismo entre la escena en la que Esteso se marea porque Andrés Pajares acaba de cantar "línea" –inolvidable momento cómico cuando Pajares en lugar de cantar "línea", grita "raya" y Esteso replica "hilera de ésas"- con la de James Stewart en la torre aunque para mi gusto el gesto de Esteso resulta más natural que el de Stewart, que forzaba demasiado el gesto llegando incluso a resultar histriónico. Pero no sólo en ese detalle se manifiesta el influjo de Hitchcock en Ozores, puesto que la tensión a la que éste somete al público en las escenas del bingo, con esa inquietante voz que va narrando los números que van saliendo y las miradas de complicidad e histeria que se dedican Pajares y Esteso –otros estudiosos de la obra de Ozores han visto en esas miradas algo más que una sincera amistad, llegando a insinuar una relación homosexual entre los dos personajes adictos al bingo, ya que comparten su soledad y la frustración que uno siente cuando llevan cantados setenta números y sólo has tachado seis números del cartón con una cierta resignación probablemente a causa de que ambos se quieren y se tienen el uno al otro- y ese guiño al espectador tan usual en Hitchcock con la aparición de un cartel en el interior de una ferretería que reza "Prohibido hablar del 23-F" al lado de otros más usuales como "No se admiten talones" o "Espere su turno".



También merece mucho la pena (en sentido estricto) el emotivo homenaje rendido a Fedra Lorente, a quien se ensalza en estos términos:

Freda Lorente pasara a la historia del cine español de humor, al igual que Esteso y Pajares, ya que su amistad con Mariano Ozores, le hizo participe de muchos titulos, en los que como no, enseña su gran "pechonalidad". Es un mito erotico español, como es Bo Derek es un mito erotico yanki.



Y ya para terminar os dejo con esta petición, a cargo de la autora de la página:

Si realmente sois fans uniros a mi trato de reunir a: Andres Pajares , Fernando Esteso y Mariano Ozores, pero ellos piensan que ya no tendrian publico. Si me escribis mostrando apoyo a esta idea trataria de volver a unirlos pues tengo una reunion y les demostraria con vuestros emails que aun nos pueden hacer reir. por favor enviarlos lo antes posible , muchas gracias. Concha Abril (conchaabril@telefonica.net)

Hala pues. Y arriba España...

Esta es la crítica que escribí para "Fotogramas" del excelente nuevo largometraje de Lucrecia Martel, y que, al final, ha quedado inédita.

LA NIÑA SANTA

por Antonio TRASHORRAS

Dirección: Lucrecia Martel. Intérpretes: Mercedes Morán, Carlos Belloso, Alejandro Urdapilleta, María Alche. Guión: Lucrecia Martel y Alejandro Domenech. Fotografía: Felix Monti. Música: Andrés Gerszenzon. Nacionalidad: Argentina, 2004.

Con apenas dos películas (su aclamada ópera prima La ciénaga y ésta que ahora nos llega), Lucrecia Martel ha logrado ya lo que muchos cineastas ansían durante años, a veces sin acabar nunca de conseguir: abocetar un “corpus” autoral reconocible, un universo propio, tanto en contenido como en forma, una voz y una mirada tan definidas que resulten difíciles de asociar a cualquier otro director que no sea ella misma. Con "La niña santa", la argentina vuelve a la deslumbrante coralidad de su anterior cinta, si bien esta vez el humor (surreal, casi buñueliano por momentos) campa indecente en una trama mucho más milimétrica y, a medida que avanza implacable, también dotada de una mayor capacidad de angustia; sensación a la cual contribuye, cómo no, su meditadísima puesta en escena (algo, todo hay que decirlo, poco frecuente en el cine latinoamericano), encaminada a sacar el máximo provecho a los abundantes interiores presentes en un relato aún más protéico que "La ciénaga", y que termina sustituyendo la agorafobia de aquella, por una claustrofobia preñada de misticismo bizarro, sátira social, concupiscencia y nervios a flor de piel.



La película sorprende, sobre todo, al no despeñarse por ninguno de los precipicios por cuyos bordes Martel parece disfrutar jugueteando: esos tonos dramáticos poco menos que irreconciliables (desde el disparate a lo macabro, pasando incluso por cierto candor), los cuales no dejan de mutar y aparearse entre sí, esa ausencia total de música, unida a un acertadísimo uso de los sonidos diegéticos, ese gozoso descaro a la hora de plantear meandros argumentales... Propuesta arriesgada, que busca con valentía erigirse en excepción, "La niña santa" ofrece a la postre dos de las mejores cosas que se le pueden pedir a una película: que se disfrute durante su visionado, y que, transcurrido cierto tiempo, su contenido siga vivo, reverberando en la memoria.

LO MEJOR: que se trate (sólo) del segundo largometraje de una directora con tan excelente futuro.
LO PEOR alguna que otra interpretación.

Una inmensa mayoría de los cinéfagos a los que se les pregunta por su película favorita responden con un amasijo de balbuceos inconexos que no son más que un discontinuo intento de decir un título de largometraje tras otro sin acabar de pronunciar ninguno. Comprensible: demasiadas referencias coaguladas en la sesera como para que escoger tan sólo una resulte una tarea asumible, al menos así de primeras. Yo tengo dos respuestas inmediatas para salir de dicha situación cuando alguien (que normalmente acabo de conocer) me hace esa pregunta. Respuesta namber güan: "No tengo película favorita, sino 100 empatadas en la primera plaza", y, a continuación, paso a recitar cual ametralladora una relación de títulos de pelis que me apasionan, según me van viniendo a la cabeza, sin orden ni concierto (hastaquellegosuhorayoanduveconunzombiseddemalamarcordelsilenciodeunhombrenosferatusarrebatoelfantasmadelparaisoeldespreciolaúltimaolasuspiria...). Lo habitual es que el abrumado interlocutor me detenga antes de llegar a la veintena. Y menos mal... Respuesta namber tu: "¡Vertigo!" (sin acento en la "e").



Y es que si bien a "Vertigo" puedo considerarla como empatada con otras 99 en el primer puesto de la lista, tampoco deja de ser cierto que por ella quizá sienta también un poquitín de cosa más especial; no ya sólo porque sea una obra sublime, de un romanticismo desesperado, una audacia irrepetible y unos ecos metafísicos muy difícilmente igualables, sino sobre todo porque quizás fue la primera película que al verla, siendo todavía un crío, fui por vez primera consciente de me encontraba ante... pues eso, una obra sublime, de un romanticismo desesperado, una audacia etc, etc (aunque entonces aún no manejara semejante vocabulario, claro).



Por ello, imaginad lo que puede haberme hecho disfrutar una página web como Vertigo:then and now, cuyo contenido consiste en un exhaustivo desglose visual de la hipnótica obra cumbre del gordo Hitch en función de sus localizaciones, incluyendo junto a cada exterior tal y cómo aparece en el film, una imagen de ese mismo lugar capturada en la actualidad.





En otras palabras, amigo obsesionado con el órfico periplo de James Stewart por los rincones de aquel onírico San Francisco, "Vertigo:then and now" es todo un disparo virtual a bocajarro, entre evocador y anticlimático, dirigido justo al corazón de nuestra cinefilia. Y, por supuesto, lo ideal es recorrer esta galería escuchando la envolvente, tortuosa y zigzagueante música de Hermann.

¿Quién es este tipo de aquí al lado? ¿Eduardo Manostijeras con sombrero y gafas negras? Casi... Caliente, caliente. Se trata de Johnny Deep fotografiado en una pausa del rodaje de la esperadísima "Charlie and the Chocolate Factory"? Es decir, ese "remake" que todos sabíamos desde hace años que, tarde o temprano, Tim Burton acabaría dirigiendo. Como es lógico en estos casos, dado que gran parte del atractivo del proyecto radica en las soluciones visuales que el director y los departamentos de arte hayan encontrado para materializar en pantalla el particular universo de la novela, de momento las imágenes difundidas por la productora escasean bastante en la Red. Pero, paciencia, seguro que con el tiempo irán filtrándose más instantáneas del rodaje; que hoy en día las cámaras son tan minúsculas que resulta poco menos imposible controlar los movimientos de todos los pululantes (o trabajadores) que van y vienen por los rodajes.

Después del jarro de agua fría que significó "El planeta de los simios", afortunadamente "Big Fish" me devolvió la esperanza de que Burton retomase su carrera en el punto en el que la había dejado antes de aceptar aquel desdichado encargo. Y ya que él (que era el más indicado) no fue el director encargado de llevar a imagen real las creaciones de Dr. Seuss (The Grinch, El Gato...), al menos ahora podremos disfrutar de la visión burtoniana del otro gran clásico de la literatura infantil anglosajona del siglo XX y segundo gran pilar de su estilo: Roald Dahl.

Mirad a Depp más de cerca, en esta foto promocional, caracterizado de Gene Wil... digo, de Willy Wonka:



Un poquito Liberace quizá, ¿no? En fin, a continuación, he aquí dos personajillos más, que dejan claro (por alguien lo hubiese dudado) que el tono estético del largometraje va orientado hacia lo "retro" 50s (el término "vintage" está ya muy quemado, ¿verdad? Es que he estado a punto de colarlo en la frase, pero me he cortado un pelo).



A estas imágenes, añadidle mentalmente la música de Danny Elfman (reverencia), imaginaos unos alucinógenos "sets" que, supongo, estarán más cercanos a los de la legendaria "Los 5000 dedos del Dr.T" que a los de la primera versión fílmica de la novela (ya sabéis, Alfaguara en castellano), y, por último, leeros ésta (o "re"), y creo que estaréis preparados suficientemente para afrontar el que supongo será gran festín visual del año que viene. Eso sí, por si a alguien todavía no se le ha abierto el apetito, aquí os dejo el "hipercool" cartel-teaser que los de Warner ya están dejando ver por Internet.



A ver si no pillamos un empacho con tanto dulce...

Otra critiquilla repescada de "Fotogramas":

RESIDENT EVIL 2: APOCALIPSIS

por Antonio TRASHORRAS

2004. Canadá, Gran Bretaña. Dirección: Alexander Witt. Intérpretes: Milla Jovovich, Sienna Guillory, Oded Fehr, Thomas Kretschmann.

El concepto de causalidad como regla básica a la hora de hilar las secciones de un guión, es decir, la idea misma de lo que siempre se conoció como transición entre escenas, parece estar experimentando un imparable (quién sabe si definitivo) ocaso dentro de cierto tipo de cine comercial. Dicha tendencia, apreciable en casi cualquier género pero especialmente llamativa en películas cuyo origen se halla en los videojuegos, tiene en "Resident Evil: Apocalipsis" su penúlimo ejemplo palmario.

Parece lógico pensar que cuando un largometraje nace con materia prima literaria, primero, contará con unos mínimos pilares narrativos, sean estos frágiles o sólidos; y, segundo, su público potencial también esperará del film una cierta cohesión dramática. También es de suponer que el "target" mayoritariamente juvenil, y más familiarizado con la sensorialidad del lenguaje puramente audiovisual del "arcade" que con las estructuras argumentales procedentes de la ficción, no exigirá demasiado a cintas como esta, ni en términos de coherencia narrativa ni de cumplimiento del causa-efecto. Es por ello que, tras asumir que el guión (sic) firmado por Paul W.S. Anderson (director de la primera entrega) no es más que una sucesión de bloques semiestancos más parecidos a los niveles de un videojuego que a capítulos de un relato propiamente dicho, el público afín a lo fantacientífico y dispuesto a suspender toda actividad neuronal lo más seguro es que acabe considerando "Resident Evil 2: Apocalipsis" un espectáculo válido, un producto defendible como mera experiencia adrenalínica, como placer estético y sonoro por completo desligado de cualquier servidumbre fabulatoria.

LO MEJOR: las dos gacelas protagonistas: la clásica Jovovich y la revelación Guillory.
LO PEOR: tratar de verla pensando en la lógica de la trama.

Otra de mis últimas críticas para "Fotogramas". Sobre una peli que abre el apetito.

SUPER SIZE ME

por Antonio Trashorras

Dirección y guión: Morgan Spurlock. Intérpretes: Morgan Spurlock, Alexandra Jamieson, Bridget Bennett. Fotografía: Scott Ambrozy. Música: Steve Horowitz. Título original: Super Size Me. Nacionalidad: USA, 2004.

En los 60, Hunter S. Thompson acuñó el término periodismo "gonzo" para etiquetar sus reportajes, caracterizados por implicarse más que nadie en los temas que trataba. Si bien él no creo la fórmula, sí que, al borrar toda línea entre persona y cronista, y extremando su comportamiento "kamikaze", acabó por ser conocido como el periodista dispuesto a experimentar en cuerpo y mente las consecuencias de cada uno de sus reportajes. Recientemente, Michael Moore fundió con éxito la "stand up comedy" envenenada y el documental político, mientras que Johnny Knoxville ("Jackass") diseñó un cóctel molotov compuesto de masoquismo exhibicionista, ingenuidad infantil y actitud punk, logrando un no-mensaje total a la medida de nuestra juventud más anestesiada.

Alumno de todos ellos, Spurlock, pese a mostrar rasgos afines a cada uno, no acaba de tener el talento afilado y único de esos incordiadores mediáticos. Reconozcámoslo, su divertida cruzada contra la comida basura, más allá del enfoque mártir y de su agilísimo ritmo (por algo se crió profesionalmente en la celeridad de la cadena MTV), carece del interés y la chicha de otros documentales recientes. "Super Size Me" no es sino un fulgurante trayecto hacia la obviedad, lleno de atajos informativos, datos mostrados en plan trilero y mucho malabarismo expositivo de cara a disimular el estatismo (narrativo) y la vacuidad (periodística) de varios minutos de su metraje.



En el fondo, a nivel creativo, Spurlock ha pergeñado un producto con más de un paralelismo con esas mismas hamburguesas objeto de su ataque: un documental "fast food", de consumo fácil, sabroso, sí, pero más grasiento que nutritivo. Entiéndanme: entrener, entretiene; buscaba hacer pupa a McDonald, y lo consiguió. Pero no hubiera estado mal una visión creativa más audaz, y, desde luego, más voluntad de investigación, más vitaminas y menos endulzantes populistas.

LO MEJOR: la parte dedicada al "catering" de las escuelas.
LO PEOR: el escaso desarrollo de la premisa.

Esta es la crítica de "El mensajero del miedo" que escribí para "Fotogramas".

EL MENSAJERO DEL MIEDO

por Antonio Trashorras

Dirección: Jonathan Demme. Intérpretes: Denzel Washington, Liev Schreiber, Meryl Streep, Jon Voight , Kimbery Elise. Guión: Daniel Pyne y Dean Georgaris, basado en el guión de George Alxelrod y la novela de Richard Condon. Fotografía: Tak Fujimoto. Música: Rachel Portman. Título original: The Manchurian Candidate. Nacionalidad: USA, 2004.

Este largometraje traía consigo dos temores y una esperanza. A saber, miedos: 1) que tanto la novela como la anterior adaptación fílmica fueran tomadas como excusas para otro idiotizante producto de gran estudio; y 2) que Jonathan Demme volviera a las andadas tras perpetrar un remedo tan desdichado como "La verdad sobre Charlie" (¡bum!); anhelo: 3) que, aprovechando dicho material de base, Demme reviviera sus logros en “thrillers” tan briosos y (en su momento) “modernos” como "El eslabón del Niagara" o "El silencio de los corderos". Resultados: 1) No. 2) No. Y 3) Sí. O sea, bien.



Lejos de tanto necio remedo mediante los cuales Hollywood autofagocita su tradición narrativa, estamos ante una soberbia relectura estilística y conceptual del largometraje de Frankenheimer, que, sin traicionar su premisa, sustituye la guerra de Corea por la del Golfo, la hipnosis por tecnología, y la paranoia comunista por la creciente constancia de que ocultos tentáculos corporativos podrían estar moviendo los hilos políticos de la mayor potencia mundial, es decir, el destino del mundo (digresión: si alguien aún no vio Fahrenheit 9/11 aconsejo su recuperación junto al film de Demme). Este nuevo “El mensajero del miedo” se ubica en un afortunado punto medio entre el respeto temático al original y la hábil reinterpretación ideológica, salpicado todo ello de gratas sorpresas argumentales que ahuyentan el fantasma del “dejà vu”. Evitando la tentación del fundamentalismo cinéfilo, ese que repudia “per sé” toda nueva aproximación a los logros del pasado, debemos admitir que las cualidades puramente cinematográficas de la película de Demme resultan lo bastante sólidas como para no tener porqué rendir cuentas al intimidador espectro de Frankenheimer. La claustrofóbica telaraña audiovisual tejida por el triunvirato Fujimoto-Zea-Portman (fotografía-dirección artística-música), unida al pulso firme para el suspense que aquí vuelve a demostrar el director de la (por cierto) subvalorada "Beloved", convierten el largometraje en una experiencia fílmica tan satisfactoria como su predecesora; y eso por no hablar de que, dado el contexto social, el nuevo envase mensajístico resulta aún más oportuno si cabe.

LO MEJOR: su acerada factura y la interpretación de Meryl Streep.
LO PEOR: un final ligeramente anticlimático.

El próximo largometraje dirigido por Wes Anderson ("Rushmore", "The Royal Tenenbaums") será la adaptación del libro del enorme Roald Dahl "The Fantastic Mr. Fox". Publicado hace años en España por Alfaguara (serie Morada), al igual que el resto de la obra de Dahl, con el título (especialmente idiota) de "El superzorro", este libro no contó en dicha edición con las ilustraciones originales del habitual Quentin Blake, sino que fueron sustituidas por otras de Horacio Elena (no es lo mismo...).

La versión fílmica de "The Fantastic Mr. Fox" será una película de animación, y Anderson se encuentra actualmente escribiendo el guión junto con Noah Baumbach, el co-guionista de su último largometraje (de inminente estrenado en España) "The Life Aquatic of Steve Zissou".

La unión del siempre inteligente material de Dahl y el "empollón" Anderson (foto abajo) hace preveer una cinta infantil más bien cargada de existencialismo. Recordemos que antes de este filme llegará a las pantallas otra adaptación de Dahl, nada menos que "Charlie y la fábrica de chocolate", dirigida por Tim Burton. Esperemos que ambos títulos resulten más exitosos que las dos anteriores películas basadas en obras de este autor, "Matilda" de Danny de Vito y "James y el melocotón gigante" de Henry Selick, dos apreciables films que, sin embargo, apenas calaron en taquilla.

De El Diario de Cádiz.

28/10/2004

GUILLERMO DEL TORO CLAUSURARÁ LAS JORNADAS GADIR2K4 DE CIENCIA FICCIÓN.

Del 5 al 7 de noviembre tendrán lugar las jornadas Gadir2K4, que reunirán a escritores, editores y aficionados a la literatura fantástica

El cineasta mexicano Guillermo del Toro (Guadalajara, 1964), director de "El espinazo del diablo", "Cronos", "Mimic", "Blade II" y la recién estrenada "Hellboy", estará presente en la clausura de Gadir2K2, según informaron ayer los organizadores de estas jornadas sobre literatura fantástica y ciencia ficción. Las ocupaciones del cineasta mexicano impedían en principio su desplazamiento desde Estados Unidos, pero Del Toro ha dado su conformidad y volará desde Los Angeles para estar presente en la sesión de clausura, en el transcurso de la cual se dará a conocer el nombre de la ciudad en la que tendrán lugar las jornadas el año próximo. Guillermo del Toro ha hecho parte de su trabajo en Estados Unidos y desde muy joven quedó subyugado por los filmes de la productora británica Hammer y de la escuela italiana de terror, especialmente las películas de Mario Bava.

Será la tercera vez que estas jornadas sobre ciencia ficción y literatura fantástica tengan lugar en Cádiz, puesto que ya se celebraron en los años 1992 y 1995. Esta nueva edición fue presentada ayer en el Ayuntamiento por Antonio Castillo, concejal de Cultura, y los escritores Rafael Marín y Ángel Torres Quesada, miembros también de la organización y quienes informaron de que ya hay más de 250 inscripciones para participar en estas jornadas cuyas sesiones se celebrarán en el Palacio de Congresos. Durante las jornadas habrá conferencias, mesas redondas, exposiciones, entrega de premios y presentación de novedades editoriales, lo que convertirá a Cádiz en el centro del mundo de la literatura fantástica y de ciencia ficción.

Antonio Castillo informó que el sábado 6 de noviembre habrá una cena de honor en el trancurso de la cual se hará entrega del premio de relatos Domingo Santos –dotado con mil euros y auspiciado por la Fundación Municipal de Cultura– y de los premios Ignotus –los oscar de la ciencia ficción nacional– y Gabriel, galardón que reconoce la labor de toda una vida. Este premio lo recibirá el escritor gaditano Angel Torres Quesada, uno de los pioneros de esta literatura en nuestro país. Entre las presentaciones editoriales está la de la revista Artifex, que publicará un número con relatos de los escritores gaditanos Juan José Téllez, José Manuel Benítez Ariza, Rafael Ramírez Escoto, Félix J. Palma, Angel Olivera, Angel Torres Quesada , Miguel Angel Güez, Joaquín Revuelta, Rafael Marín y Manuel Ruiz Torres. También la prestigiosa revista Asimov tendrá en sus páginas una atención especial para escritores gaditanos. La conferencia inaugural, titulada Ciencia, ficción y cine, la pronunciará Miquel Barceló.

El escritor Rafael Marín recordó que las dos ediciones anteriores celebradas en Cádiz se recuerdan como las mejores hechas hasta ahora, "pero nuestra intención es que estas de ahora las superen". Marín citó a los invitados, como Miguel Aguilera, que publica antes en Francia que en España; el guionista y director de cine Guillermo del Toro; Javier Negrete, profesor de Literatura Clásica y experto en mitología, y el polaco Andrzej Sapkowski, que es una celebridad en su país. Las exposiciones que se montarán para estas jornadas son las del portadista Enrique Corominas, Flash Gordon cumple 70 años, Muestra de fanzines españoles, Los guerreros: máscaras de lo fantástico y El orden estelar.

Noticia preocupante, vía Ain't it cool news:

Paul Verhoeven, alias "la gran bestia", el cineasta de visión más malvada de todo el cine "mainstream" moderno, ha sufrido una crisis cardíaca que le ha obligado a interrumpir su participación en la preproducción de Zwartboek ("Blackbook"), el film que se disponía a rodar en Holanda dentro de unos meses. Aunque por las escuetas informaciones difundidas no parece que su vida corra peligro, uno no puede por menos que inquietarse ante la posibilidad de que semejante talento del cine subversivo-divertido quede momentaneamente fuera de circulación. Ánimo, Paul, que el cine sigue necesitando gente mala.

Que no... que finalmente parece que Joss Whedon no va a dirigir ni escribir "X-Men 3". Ooooooooh... Más detalles en Whedonesque.

Ahora toca volver a temerse lo peor respecto a quien sea elegido como afortunado (?) sustituto de Brian Synger al volante de la franquicia "mutie". Esperamos que mantengan alejados a los Renny Harlin y similares...

No, este "post" no tiene nada que ver con Yukio Mishima, lo siento por los leídos... Es que resulta que Andrew Form, productor del reciente "remake" de "La matanza de Texas", ha declarado en una entrevista aparecida en la revista Fangoria, que ya están dándose los primeros pasos para realizar una precuela de dicho film. La premisa cualquiera la podría adivinar: se trata de hacer un película que muestre el "nacimiento" de Leatherface (como si no lo supiéramos ya...) y, más concretamente, el origen de su máscara.

No sé a vosotros, pero a mí estas regresiones en las mitologías, "a priori", ya me suelen dar mala espina (véase la de "Carrie"). Eso sí, tal vez se deba, simplemente, a que la palabra "precuela" me suena como a instrumento ortopédico. Pero tampoco me hagáis mucho caso...

¿Recordáis que Lars Von Trier estaba embarcado en su llamada "trilogía americana" compuesta por la ya estrenada "Dogville", y dos largometrajes más titulados "Manderlay" and "Washington"? Pues bien, ahora parece que el danés va a interrumpir el desarrollo de dicha saga y, antes de rodar su tercera entrega, dirigirá una película de terror llamada "Antichrist". La premisa parece apetecible: ¿qué pasaría si se descubriese que el creador del mundo no fue Dios si no Satán?

El rodaje de "Antichrist" debería producirse en el 2006, ya que hasta entonces Von Trier estará ocupado terminando la post-producción de "Manderlay", suerte de secuela de "Dogville" en la cual la "heroina" de aquella, Grace (Bryce Dallas Howard) intentá abolir la esclavitud en una plantación de Alabama. Si su proyecto sobre el Diablo parece inevitablemente destinado a levantar controversia entre el público católico, no menos escandaloso se presenta "Manderlay". "Espero que mi película sirva para que, por vez primera, tanto el Ku Kux Klan como los espectadores de raza negra tengan un objetivo común: matarme", bromeo recientemente el cineasta.

Las tres películas que conozco de Hirokazu Kore-eda giran alrededor de las mismas obsesiones: memoria y olvido, catarsis y perdón, ausencia y evocación, verdad y fantasía... Según he leído el cineasta quedó muy marcado al compartir su infancia con su abuelo aquejado de Alzheimer, la enfermedad que nos despoja de los recuerdos, que borra nuestro pasado. De tener esto en cuenta podríamos concluir que su filmografía no representa otra cosa que un intento de exorcizar aquellas dolorosas experiencias infantiles. Como ocurre siempre que uno se enfrenta a la obra de un verdadero talento, supongo que (por fortuna) dicha conclusión resulta facilona e insuficiente. Lo que sí deviene transparente es que para Kore-eda, hasta ahora, la esencia del cine parece estar ligada a la representación de la memoria en relación con la experiencia de la muerte, sea ésta propia o cercana. Y por lo poco que conozco de “Nobody Knows” (en la foto) todo parece indicar que en este su cuarto largometraje ha continuado fiel a sus temas.

Para finalizar este pequeño repaso a la figura de Kore-eda os dejo una serie de enlaces que pueden servir de introducción a su mundo. Primero, aquí tenéis un jugoso artículo de TIME Asia centrado en la labor de Kore-eda como productor de dos jóvenes y prometedores directores nipones, Yusuke Iseya y Miwa Nishikawa. En cuanto a entrevistas con él, resultan particularmente reveladoras dos de ellas aparecidas en la revista Indiewire, una a propósito de Maborosi y otra sobre After Life. Por último, su página web oficial se encuentra aquí, y aunque está casi toda en japonés, tiene imágenes bonitas y algunos links a explorar.

Su pasado como prestigioso documentalista televisivo volvió a resultar evidente en el siguiente largometraje de Kore-eeda, "Distance" (2001), basado en un hecho real de infausto recuerdo: el atentado perpetrado en el metro de Tokio con gas sarín por la secta llamada "El arca de la verdad". La película nos emplaza tres años después de la masacre. Mientras una voz en off rememora los detalles de aquel acontecimiento, la imagen nos va presentando varias acciones paralelas protagonizadas por distintos personajes, los cuales sólo tienen una cosa en común: son amigos o familiares de algunos de los miembros de la secta. Poco a poco descubrimos que tras el atentado varios de dichos miembros fueron a su vez asesinados por sus propios compañeros en una aislada casita en el bosque. El grupo protagonista se reúne en dicho bosque para orar y recordar a sus allegados, y cuando deciden regresar a sus casas descubren que les han robado el coche, viéndose obligados a pasar allí la noche, aislados. Entonces aparece un nuevo personaje, un ex-miembro de la secta que habiendo acudido allí con el mismo objeto que ellos, al encontrárselos decide guiarlos hasta la cabaña donde se produjeron los asesinatos.

De nuevo la memoria constituye la materia prima fundamental del cineasta, quien en esta ocasión filma una película mucho más angustiosa en su minuciosidad, y árida en su exploración emocional de los recuerdos confrontados. Remordimientos, dolor, arrepentimiento y mentiras desfilan ante los ojos del espectador de una manera tan desgarrada como ascética, y mediante un estilo que, más que nunca, juega a prolongar las situaciones al máximo, hasta conseguir que el paisaje y los sonidos, unidos a unos enigmáticos "flash-backs", jueguen un papel casi hipnótico.

Comparada con sus dos largometrajes de ficción anteriores, "Distance" es la obra de Hirokazu Kore-eda que te dejá un mayor sentimiento de desolación interior; una oquedad en el estómago y un regomello existencial muy característicos de un estilo en constante depuración, siempre al servicio de un material dramático por completo al margén de los clichés y sobrado de hondura teórica.

Todas las expectativas depositadas en Hirokazu Kore-eda tras su debut con “Maborosi” fueron de sobra confirmadas gracias a su siguiente largometraje, el hipnótico "Wandafuru Raifu" ("After Life") (1998), una insólita historia que transcurre en una suerte de limbo celestial y que permite de nuevo al autor reflexionar con melancolía sobre la vida, la muerte y, sobre todo, la memoria. Fábula filosófica con envoltorio argumental de puro género fantástico pero rodada como si de un documental se tratara, "After Life" es una de las películas más absorbentes, ricas y originales que he visto jamás.

El relato se ubica en una especie de escuela donde un equipo de "funcionarios" acoge e instruye a los espíritus de todos aquellos que acaban de morir. El objetivo no es otro que el ayudarles a reconstruir, a lo largo de una semana, un solo recuerdo de toda su vida, que será el único que se podrán llevar al más allá. Tras elegir ese momento concreto de su existencia, los difuntos deberán rodar, ayudados por sus consejeros, una pequeña película casera basado en el recuerdo que guardan de él. El modo en que Kore-eda desarrolla esta hermosa premisa resulta magistral, mezclando visiones subjetivas, entrevistas a cámara de los protagonistas evocando entre titubeos los momentos más destacados de sus vidas y escenas a medio camino entre lo poético y lo radicalmente naturalista. Poco a poco, según los protagonistas van eligiendo sus recuerdos y confeccionando con ellos sus "cortometrajes", la realidad se va tiñendo de ficción, la memoria de cada uno se contamina de deseos, creando a la postre un confuso magma de verdades y mentiras a la medida de sus respectivos "autores".

"After Life" tiene sus pasajes más emotivos en las escenas centradas en dos personajes incapaces de hallar en sus pasados ni siquiera un recuerdo merecedor de acompañarlos en la vida eterna. Son, por un lado, un anciano que trata desesperadamente de probar que su vida no fue inútil; y, por otro, un muchacho que negándose a escoger dicho momento, anula cualquier responsabilidad sobre lo negativo de sus actos. Fracasos, secretos, deseos no realizados, amores inconfesados... todo lo esperable en la simplicidad de cualquier vida "normal" constituye el tapiz mediante el cual Kore-eda transmite un mensaje lleno de intensidad y candor: la catarsis de la memoria puede justificar tanto lo vivido como lo meramente imaginado.

Hirokazu Kore-eda ya me deslumbró con su ópera prima "Maborosi no hikari" (1996), conocida internacionalmente como "Maborosi" y que se podría traducir como "Rayos de ilusión"; una pausada maravilla que en su día le valió el Premio Especial del Jurado en Venecia, a medio camino entre la serenidad de un Ozu (esa ausencia de contracampo), el aliento del Angelopoulus menos plomo, y algo de la voluntad quedona de un Hou Hsiao-hsien (de hecho, la banda sonora la firmó Cheng Ming-Chang, habitual en los films del taiwanés).

"Maborosi" narra la historia de una mujer cuya vida feliz junto a su marido y su hijo queda rota tras un trágico acontecimiento extrañamente prefigurado en uno de sus sueños. El aparente suicido de su marido al dejarse arrollar por un tren, y todos los datos absurdos que parecen rodear dicha tragedia, se convierten en obsesión para la protagonista y sirven a Kore-eda para lograr una inquietante indagación de tono casi entomológico sobre el desconocimiento que todos podemos tener hasta de los seres más cercanos. Mediante largos planos fijos y el uso del paisaje como modo de transmitir el vacío emocional de los personajes, el cineasta también obtuvo con esta película una fascinante sensación (¿”roselliniana?” ¿por qué no?) de tiempo real, de vida ante nuestros ojos, muy pocas veces vista fuera del ámbito del documental.

"Daremo Shiranai" ("Nobody Knows") es la última película de Hirozaku Kore-eda (Tokio, 1962), tal vez el más significativo de los cineastas japoneses recientes (junto con Naomi Kawase, Takashi Miike y Kiyoshi Kurosawa) que todavía permanece completamente inédito en las pantallas españolas. Afortunadamente, su escasa obra la he podido ir siguiendo durante los últimos años gracias a diversos festivales o jornadas dedicadas al celuloide nipón.

La trama de "Nobody Knows" parte de un espeluznante hecho real ocurrido en Tokio en 1988: el abandono por parte una madre de sus cuatro hijos, dejándolos encerrados en su apartamento. Yuya Yagira, el adolescente protagonista del film, fue galardonado en el pasado festival de Cannes con el premio al Mejor Actor, lo cual le convirtió en el más joven ganador (trece años en el momento de rodar la película) de dicho apartado en toda la historia del certamen.

Para los interesados en la vida, obra y opiniones de Kore-eda he aquí una interesante entrevista aparecida en “Midnight Eye”, el imprescindible rincón del cine japonés en la Red.

La dueña de esta celestial sonrisa de aquí al lado (se me van los ojos y pierdo el hilo de lo que escribo) se llama Laura Smet y es mi última pasión gabacha, la última de la larguísima lista de bellezas tricolores que me roban el corazón en la oscuridad de una sala de cine. Ludivine, Audrey, Virginie... ya son el pasado, mis favoritas de anteayer; el futuro pertenece a Laura, nada menos que la hija de Nathalie Baye y Johny Halliday, actriz turbadora y poseedora de una presencia en pantalla de una intensidad nada común. La descubrí el año pasado en "Les Corps Impatients", un largometraje durísimo en donde encarnaba a una jovencita de belleza extraña que se va muriendo de cáncer mientras ni su novio ni nosotros podemos hacer más que asistir a cómo su vitalidad se marchita inexorablemente a lo largo de un horrible periplo de pruebas médicas. Ella estaba que se salía...

Este año me la he vuelto a encontrar en "La dama de honor" de Claude Chabrol (supongo que su mamá la recomendaría) y he comprobado como aquella hermosa y frágil adolescente, se ha convertido en un bellezón, sin perder ese algo misterioso en la mirada, ese mensaje secreto e inquietante en sus gestos, a veces ligeramente autistas. Estoy deseando verla en "Clean" de mi admirado Olivier Assayas. Ya falta menos para Sitges...

Es normal que los que cubrimos profesionalmente festivales de cine del tamaño del de San Sebastián haya un día en que notemos las fuerzas flaquear, casi siempre suele ocurrir al llegar al ecuador, más o menos. A mí me ha tocado hoy. Escribo estas lineas, lo confieso, con las energías al mínimo, las baterías prácticamente descargadas, las neuronas muriendo como campeonas... Llevo cinco días aquí, viendo unas cinco o seis películas al día, pegándome carreras de un cine a otro para encajar horarios siempre al filo de lo imposible, y sacando algún rato para escribir las notas que al final del certamen (el día 25) me permitan enviar la crónica a "Fotogramas" en cuanto se comuniqué el palmarés. Pasado el ímpetu adrenalínico de los primeros días, el cansancio vence al más pintado y resulta bastante cómico asistir a cómo muchas conversaciones devienen cada vez más confusas y entrecortadas, los nombres de directores o títulos de largometrajes se resisten a venir a la memoria, las miradas se vuelven algo perdidas, los razonamientos erráticos... Eso sí, reconozco mi masoquismo; pese al bajonazo físico y mental de días como el de hoy, los maratones festivaleros me ponen. Y es que aunque me ardan los ojos al final de una jornada, soy capaz de acostarme pateticamente feliz cuando tras un día sin hacer otra cosa que entrar y salir del cine, haciendo recuento, encuentro al menos dos películas que me hayan resultado gratas. Repasando la lista de largometrajes que ya he visto, compruebo con cierto desaliento que llevo más días "malos" que "buenos". A ver si de aquí a la clausura cambia la tónica...

Estas son las pelis que hasta ahora me han quemado dioptrías: "Melinda & Melinda" de Woody Allen (psche), "Brothers" de Susanne Bier (magnífica, seria candidata al premio grande), "Vera Drake" de Mike Leigh (psche), "Darwin's Nightmare" de Hubert Sauper (excelente), "Notre Musique" de Jean Luc Godard (interesante pero más apta para un atento visionado casero), "Nine Songs" de Michael Winterbottom (bluff con buenas canciones), "Clandestino" de François Dupeyron (leño), "Como una imagen" de Agnès Jaoui (soberbia, enorme), "In my Father's Den" de Brad McGann (minucia), "Lookinf for Fidel" de Oliver Stone (absorbente documento), "Being Julia" de István Szabó (mediocridad rampante pero con una gran Annette Bening al frente), "Roma" de Adolfo Aristarain (cine tortura), "Horas de luz" de Manuel Matji (digna), "Beautiful Boxer" de Ekachai Uekrongtham (grotesca, entretenida sin más), "El bosque" de Nighht Shyamalan (contundente), "El sueño de la maestra" de Luis García Berlanga (cortometraje austrohúngaro), "Day and Night" de Simon Staho (maja), "Sueño de una noche de invierno" de Goran Paskaljevic (emocionante, digna), "Yi geng mo sheng nu ren de lai xin" de Xi Jinglei (aceptable versión china de "Carta de una desconocida"), "Salvador Allende" de Patricio Guzmán (interesante), "Diarios de motocicleta" de Walter Salles (tan bien parida como hueca y truquista", "Innocence" de Lucile Hadzihalilovic (me encantó pero no me atrevería a recomedársela a nadie), "Iván Z" de Andrés Duque (docu sobre Zulueta, aleccionador), "Mi padre es ingeniero" de Robert Guédiguian (parábola naif para idealistas nostálgicos), "Omagh" de Pete Travis (kaput)... arf, arf, arf... Creo que no me dejo ninguna... ¡Ah, sí! Hoy me he hecho un "regalito" acudiendo a una sesión doble perteneciente al jugoso ciclo "Incorrect@s" y compuesta por "La edad de oro" y "Simón del desierto". Ambas las había visto sólo una vez y en la tele, de modo que me pareció imperdonable dejar pasar esta ocasión de verlas en cine. Así, de paso, me oxigenaba un poco de tantas pelis recientes...

También, aunque parezca mentira, hacer este recuento me ha ayudado a recuperar algo de energía. Ahora me siento más animado que hace un rato, cuando empecé a escribir. Todavía con el cerebro como Waterloo, claro, pero algo más animado. En fin, me tomaré una Coca Cola y cruzaré los dedos para que las dos que me quedan hoy hagan que me acueste contento.

Tres de las películas que me he zampado ya en el festival de San Sebastián demuestran eso de "cría fama y échate a dormir". Se trata de "Vera Drake" de Mike Leigh, "Melinda & Melinda" de Woody Allen y "Notre Musique" de Jean Luc Godard. En los tres casos se respira, desde ya antes de verlas, la desagradable intuición de que la mayoría de los espectadores y críticos tienen decidida su opinión, de que saben lo que van a pensar de ellas, y si les van a gustar o no. El motivo radica en la pereza mental de la mayoría y la tendencia de muchos a convertirse en dócil ganado cinéfilo, intimidados ante el peso o bien de la sacrosanta opinión de ciertos popes o de ciertas supuestas verdades incontestables refrendadas por todas las enciclopedias de cine de "clase A". Da reparo, en definitiva, no sumarse a las opiniones "oficiales"; es lo más seguro, al fin y al cabo, si no cuentas con materia prima conceptual para crear la tuya propia.

Mi opinión respecto a estos tres (sobrevalorados de un tiempo a esta parte) iconos del festivaleo europeo es que se les empieza a ver el cartón demasiado, y que tarde o temprado se comenzarán a elevar más y más voces cuestionándose lo que ahora mismo sus críticos afines ni se plantean: que tal vez sus limitaciones (o falta de motivación para currar) sean más responsables del resultado de sus más recientes films que esos famosos "toques personales" invocados al hablar de ciertos autores. En “Vera Drake” volvemos a comprobar que Mike Leigh hace el mejor teatro fílmado del momento. Cuenta con actores de un nivel estratosférico y saca de ellos interpretaciones descomunales; vale, hasta ahí, todo perfecto. Lástima que al mismo tiempo demuestre una incapacidad casi absoluta para la creación de espacios escénicos verdaderamente cinematográficos, es decir, no limitados a la frontalidad, al posicionado a ojo de proscenio teatral. Leigh compone y ensambla viñetas admirablemente representadas, pero en las cuales su papel como supuesto creador audiovisual queda a un nivel tan pedestre que uno está tentado a imaginar si "Vera Drake" no sería una experiencia fílmica mucho más grata si, limitándose a trabajar con los actores y el texto, el británico pudiese contar con un "apoyo" en el apartado de la "escritura con la cámara", un co-director centrado en esa expresión a través del encuadre para la que, es obvio, se encuentra tan poco dotado. Es triste ver a los actores tan esclavizados por sus marcas, tan limitados en sus movimientos por culpa de esa cámara casi siempre mal colocada, autista en su inmovilidad, así como por ese montaje del todo ajeno al recurso del inserto, tan necesario a veces para dotar de auténtica vida a las escenas. Uno sufre por interpretes secuandarios obligados a menudo a quedar reflejados en el film como meras nucas, hombros o espaldas... simples sombras llena espacio, merced a una planificación pedestre a base de planos "master". Una cosa es el aplomo propio del cineasta que sabe aguantar un plano, hasta convertirlo en un hermoso pedazo de tiempo cinematográfico cargado de intensidad, y otra lo que consigue Mike Leigh: la rigidez audiovisual, la inexpresividad de la puesta en escena... el suspenso en gramática fílmica.

De Allen se podría decir tres cuartos de lo mismo, si bien yo me decantaría en su caso, más que por una carencia (que a lo mejor, también), por la pura pereza, y la desgana "a priori" hacia una mínima trabajo de creación de imágenes. "Melinda & Melinda" es otra simpática nadería de esas que últimamente viene arrojando a sus incondicionales, quizá un poco mejor filmada que las anteriores, tal vez también algo menos graciosa y, a la vez, más meditada en cuanto al puro contenido, pero, en cualquier caso bajo mínimos audiovisuales. Una obra en la que se palpa la desgana, el desinterés por realizar verdadero cine, por prestar cierta atención a ningún aspecto más allá de lo meramente verbal. A sus incondicionales supongo que les dará igual volver a asistir a esa sucesión de planos compuestos con ojo esclerótico y pegados con pulso parkinsoniano; pero a mí me da mucha angustia tener que centrarme en la historia que se me está contando si para ello tengo que verme inmerso en un paisaje de imágenes tan, tan, tan, tan... feas. Woody haz literatura, plis.

En cuanto a "lo de" Godard... ya hablamos mañana. Si acaso.

A ver si como algo. ¡Salud!

Hola, hola, probando, probando... Saludos desde el festival de cine de San Sebastián. Aquí ando, recién salido de ver "The Village" de Shyamalan y noqueado todavía ante la virulencia de esta su nueva y enfermiza parábola criptocatólica, pro-aislacionista y anti-progreso. Se vuelve a confirmar que este señor tristón, monstruosamente dotado para la fabricación de imágenes contundentes y la puesta en escena con fundamento, resulta un elemento ideológico de cuidado; todo un paladín de la emoción panfletaria y síntoma viviente del pánico cerval que late en determinado segmento de la actual sociedad yanqui hacia posibles amenazas externas y el (según Shyamalan, claro) deteriorado futuro moral de la civilización occidental. Estamos ante un artista torturado, contradictorio y con un miedo atroz, casi patológico, a muchas de las cosas implícitas en esta compleja realidad que, nos guste más o menos, nos ha tocado vivir a principios del siglo XXI. Quizá también, no lo niego, este perfil autoral y psicológico tan extremo, unido a su indudable talento visual y su artero uso de efectismos narrativos bien aprendidos, sea lo que le convierte en una de las personalidades más dignas de seguir (por peculiares) del moderno cine americano.

Temáticamente sus historias giran siempre alrededor de ciertas decisiones éticas radicales, cuya "necesidad" Shyamalan vende al espectador con tozuda convicción gracias a su talento escénico y su intensidad dramática. También, por desgracia, obligado por el componente prestidigitador que como guionista se auto impone siempre, sus crispadas alegorías religiosas con pirueta final acaban por chirriar demasiado, por culpa del, en ocasiones, precario maridaje entre su tono denso, doliente, y la pretendida solemnidad de su mensaje, con su (para mí, simpática) querencia hacia la bizarría "pulp". "The Village", al igual que todos sus anteriores films, manifiesta todo este juego de tensiones contrapuestas, si bien de manera más crispada, histérica y (quisiera creer) transparente para el gran público.
Considerada de manera exclusivamente fílmica, "The Village" resulta otro estilizado ejercicio de clonación por parte de su autor de los esquemas propios del terror de sorpresa y mensaje a lo Rod Serling, constituyendo una experiencia cinematográfica absorbente. Ahora bien, más allá de su labor como creador de artefactos genéricos disfrutables y de concienzuda elaboración audiovisual, sería deseable que un fundamentalista religioso, un retrógrado cultural, un cruzado de la intolerancia disfrazado de cuentista moral como Shyamalan, influyera lo menos posible en el modo de pensar de los espectadores actuales. O apañados vamos.

Saludos desde la bella Donostia y si voy teniendo algún rato libre durante el festival os seguiré contando cosillas sobre algunas de las pelis que vea. A cuidarse...

Esta explicación circula desde hace tiempo por la Red, pero, aun sí, a alguno quizá le pille de nuevas. Y es divertida. El texto me lo ha enviado Luis Bustos, vía Microsiervos.

¿Cuándo vísteis "Pulp Fiction" os quedásteis con las ganas de saber qué demonios había en aquel misterioso maletín? Bien, pues esta es la teoría que lo descubre.

Al presentar a Marcelus Wallace, lo primero que vemos es la parte posterior de su cabeza, donde tiene unos esparadrapos.

La combinación del maletín, cuando lo abre Vincent, es 666.

Cada vez que alguien abre el maletín, éste brilla y todo el mundo se queda asombrados... sin habla.

Cuando los chicos disparan a Jules y Vincent, fallan... pero a esa distancia y con seis tiros a bocajarro es prácticamente imposible fallar... (“Intervención divina,” dice Jules).

Bueno, con todos estos datos algunos ya intuirán qué había en el maletín. ¿Qué es lo más importante de una persona y que te dejaría sin habla al verlo en un maletín? Algo que muchos imaginan "brillante". Pregunta bonus: ¿De quién es el arma con que Butch (Bruce Willis) mata a Vincent (John Travolta)?

SOLUCIÓN:

Según la Biblia cuando el Diablo se lleva el alma de una persona, lo hace extrayéndola desde la parte de atrás de la cabeza. [por cierto: "Ezequiel 25:17" no existe realmente. En realidad es una mezcla de frases de otros pasajes.]

Por tanto... el maletín contiene el alma de Marcellus Wallace, quien había vendido su alma al diablo, y la estaba intentando comprar de nuevo. Los tres chavales que aparecen al principio serían los ayudantes del diablo. Cuando el que sale del cuarto de baño con el revolver dispara, Jules y Vincent no son dañados por las balas... “Dios bajó y detuvo las balas,” porque estaban salvando un alma. Fue verdaderamente una intervención divina. El 666 de la combinación es naturalmente una representración del Diablo. Por otro lado, cuando Butch compra un paquete de cigarrillos en el bar, con Marcellus, pide unos Red Apple (la fruta prohibida del paraíso), lo cual puede ser otra imagen religiosa, de las muchas que hay en la película.

Solución a la pregunta bonus "¿De quién es el arma con que Butch mata a Vincent?" No, no es de Vincent. Es de Marcellus Wallace, que había bajado a comprar café (y que es cuando Butch se cruza con él) dejando el arma en la cocina de la casa de Butch cuando Vincent se mete al baño.

Todo empezó con el libro "The Corporation: The Pathological Pursuit of Profit and Power" de Joel Bakan, un demoledor estudio sobre las tácticas más nocivas empleadas por las grandes empresas para aumentar su poder en las sociedades de casi cualquier país del planeta e influir perversamente en nuestro comportamiento; en suma, influyendo en la realidad, para mal. Ahora la bola de nieve sigue creciendo con su versión fílmica, "The Corporation", el documental dirigido por Mark Achbar, Jennifer Abbot y el propio Bakan. Como ex-economista lleno de resentimiento ante ese mundo, todo lo que leo sobre esta película aumenta mis ganas de verla cuando antes.

Al parecer, adémás de abundantes "spots", videos promocionales de las empresas y noticias televisivas, los autores han trufado la película de entrevistas con defensores y críticos del "status quo" capitalista, así como con elocuentes fragmentos de investigación sobre el terreno (por ejemplo, imágenes de América Central que muestran la extrema miseria de los trabajadores a sueldo de una gran empresa de maquinaria que posteriormente vende dicho material en Estados Unidos por cifras elevadísimas). Otros momentos destacados son la aparición del legandario neoliberal Milton Friedman (menudo pieza...) afirmando que el único imperativo moral para el ejecutivo de una empresa es ganar todo el dinero posible para sus dueños; un gurú del "management" explicando que todo ejecutivo que muestre interés en las responsabilidades sociales de la empresa debe ser despedido de inmediato; o un director de inversiones afirmando que: «La empresa es una máquina de subcontratar, de la misma forma que un tiburón es una máquina de matar. No es maldad. Toda empresa lleva dentro, como el tiburón, las características que la permiten hacer aquello para lo que fue creada».

La premisa consiste en trabajar sobre la hipótesis de que las empresas fueran como "personas", es decir con derechos y obligaciones. A partir de ahí, la película se adentra en su comportamiento y deseos, hasta llegar a la conclusión de que estamos ante "alguien" cuya conducta resulta amoral y exclusivamente motivada por la búsqueda del beneficio propio, aunque, no obstante, busque siempre la autojustificación y ofrecer una cara humana. Sometiendola a un test psiquiátrico propuesto por la Organización Mundial de la Salud, Joel Bakan demuestra que "La Corporación" responde al peor de los perfiles posibles y para corroborarlo los directoras entrevistan a un alto cargo del FBI especializado en "serial killers". Todos esos estudios psicólogicos concluyen, pues, en una certeza inquietante: las grandes empresas son entidades psicópatas. Y es que al exponer una lista de síntomas de la psicopatía sorprende hallar tantas correspondencias. La empresa es irresponsable porque, al intentar satisfacer sus metas, pone en peligro a todos los demás. Las empresas tratan de manipularlo todo, incluso la opinión pública. Son grandilocuentes e insisten siempre en que ser los mejores, así como en evitar asumir la responsabilidad de sus actos y ser incapaces de sentir remordimientos.

En suma, igual que Michael Moore parece haberse convertido en el azote fílmico de la derecha norteamericana, Bakan parece destinado a erigirse en un figura similar para el poder empresarial, si bien, por desgracia, es muy dudoso que obras como su libro y este documental afecten en lo más mínimo a la salud de la gran bestia corporativa. Peor por patalear que no quede...

A ver si "The corporation" llega pronto a España (o me hago con un DVD).

Últimamente bastantes directores abren diarios de rodaje "on line" en el momento de comenzar un largometraje, poniendo a disposición de los internautas, en tiempo real, todo tipo de informaciones y materiales relacionados con el "día a día" de la producción. Uno de los más visitados del momento, por razones obvias, es Kong is the King, dedicado al seguimiento de la película que actualmente se encuentra dirigiendo Peter Jackson y que, a día de hoy, se encuentra en su segunda semana de rodaje. Protagonizada por Adrien Brody, Naomi Watts, Jack Black y el gorila gigantesco de rigor, del cual, como es lógico, aún no se ha difundido imágenes, esta nueva versión de "King Kong" promete ser LA superproducción fantástica del año que viene. Al que se le remuevan las entrañas de impaciencia por verla, siempre le queda el consuelo de ir contemplando los pequeños "videodiarios" allí colgados y en los que podemos ver al admirable neozelandés metido en faena.

El título no tiene nada que ver con ninguna aparición de Sara Montiel en la pequeña pantalla, no... Es que resulta que el memorable clásico del terror dirigido por Carpenter en el 1982, tendrá su "remake", en forma, eso sí, no de largometraje sino de miniserie televisiva de cuatro horas de duración. ¿Y quién llevará las riendas de semejante proyecto condenado a la comparación con el (para mí insuperable) original? Pues afortunadamente no un cualquiera, sino nada menos que Frank Darabont. Lo que no está muy claro es si ejercerá sólo de productor ejecutivo o también dirigirá algún capítulo.

La serie, por cierto, estará producida por el "Sci Fi Channel" (qué envidia...) y se supone que verá la luz entre finales del 2005 y principios del 2006.

Recordando las "hazañas" del "Rat Pack" original (Sinatra, Martin, Davis Jr, & Lawford), en Hollywood ya se comienza a hablar del "nuevo rat pack" formado por Ben Stiller, Owen Wilson, Vince Vaughn, Will Ferrell y Luke Wilson. Y es que, a la chita callando, estos cinco actores han terminado formando una suerte de compañía estable de humor, que aparece mediante diversas combinaciones en algunas de las comedias más prestigiossas y/o efectivas de los últimos años. Mirad la lista: "Zoolander" (Stiller, O.Wilson, Ferrell), "Los padres de ella" (Stiller, O. Wilson), "The Royal Tenebaums" (Stiller, O.Wilson, L. Wilson), "Old School" (Vaughn, Ferrell, L.Wilson), "Starsky & Hutch" (Stiller, O.Wilson, Vaughn, Ferrell), "Cuestión de pelotas" (Stiller, Vaughn), "Anchorman: the Legend of Ron Burgundy" (Ferrel y TODOS los demás en pequeños "cameos"), The Wedding Crashers" (Ferrell, Vaughn y O. Wilson) y "The Wendell Baker Story" (escrita y dirigida por los dos Wilson y con Will Ferrell de invitado). Vamos que no es una teoría sin fundamento, ¿verdad?

Espero, eso sí, que los componentes de este nuevo "Rat Pack" tengan las manos más limpias que los del original. De momento, más graciosos sí que son.

Visitar de vez en cuando el magazine online Monster Kid me resulta imprescindible para recibir la dosis de terror "camp" que como incurable aficionado al género necesita mi organismo. El contenido viene a ser el predecible, es decir, como si el entrañable Forrest Ackerman hubiera volcado toda su memoria en la pantalla, y ese "maremagnum" lo hubieran maquetado (con gusto) los responsables de la mítica "Filmfax". Ahora bien, a falta de sorpresas, todo exuda tal amor hacia el material de base, que a veces buceando por sus páginas hasta me emociono y lloro como un chiquillo.

Aunque todavía no se haya producido el comunicado oficial, para algunas fuentes ya parece asegurado: Joss Whedon está "dentro" del proyecto "X-Men 3".

No es que quiera hacerme todavía muchas ilusiones, pero os aseguro que el día que se confirme me pondré muy, muy contento.

¡Freak power, claro que sí!

Estoy tristón. Resulta que ayer me puse a revisar unas películas antiguas en VHS para encontrar una que me ha pedido un amigo y descubrí lo que tanto temía desde hace tiempo: muchas de ellas están semipodridas, llenas de "nieve", con fragmentos imposibles ya de ver... Directas a la basura fueron varias. De momento, prefiero renunciar a hacer una inspección más a fondo por las entrañas de mi colección, pero ya estoy preparado para lo peor. Yo que pasé años acumulando cintas, grabando sesiones nocturnas de la tele, completando filmografías... ¿Y ahora, qué?

En fin, el caso es que una de las cintas que, entre sollozos, tiré a la basura contenía una de esas pelis que tenían un "valor sentimental" para mí. Se trataba de "El monstruo de tiempos remotos" (The Beast from 20.000 Fathoms) de Eugène Lourié, una de mis "monster movies" favoritas de todos los tiempos, y, concretamente, la primera peli de este subgénero que vi siendo niño. A falta de videocassette, ahora sólo me queda su recuerdo; eso sí, muy vívido.

La película comienza mostrando como una explosión producida por un experimento en el ártico provoca el deshielo de un gigantesco dinosaurio que permanecía allí congelado desde hacía millones de años. El único que presencia el renacimiento de la criatura es un científico, miembro de la expedición, quien pese a esforzarse por comunicárselo a sus compañeros es ignorado completamente, atribuyéndose su obsesión a trastornos debidos a la prolongada estancia en el Polo. Tras varios intentos fallidos, el científico será creído por un profesor y su bella ayudante, de quien (claro) inmediatamente queda prendado. Mientras ellos hacen lo posible por localizar al enorme saurio, éste llega a Manhattan, sembrando el terror y la destrucción antes de ser exterminado en Coney Island (¡qué escena!).

"El monstruo de tiempos remotos" se rodó en 1953 y fue, de hecho, el primero de los films sobre monstruos antediluvianos de los varios que se estrenaron durante aquella época, marcando claramente la pauta para casi todas las producciones similares que siguieron. Basado en el relato "The Fog Horn" de Ray Bradbury, el film también sirvió de debut tanto para su director, Lourié, como para el legendario animador y técnido de efectos especiales Ray Harryhausen.

A partir de esta película, Lourié (realizador de origen ruso cuya carrera hasta entonces había discurrido en el campo de la dirección artística, siempre en producciones europeas "de prestigio" para cineastas como Renoir u Ophuls), siguió explotando el filón de los bichos enormes, dirigiendo tambien "Behemoth, the Sea Monster" (1958) y "Gorgo" (1961). No obstante, ambos films comenzaron a mostrar el paulatino deterioro de una fórmula cada vez con menor capacidad de sorpresa (al menos en Estados Unidos, ya que en Japón los monstruos gigantes siguieron triunfando durante mucho más tiempo).

Así me siento yo, rodeado de videocassettes polvorientos, como un ser de otro tiempo, un dinosario pendiente de reciclaje...

De Periodista Digital.

NUEVO INTENTO DE HACER CINE CON OLOR.

Agencias (02/09/04, 23.13 horas)

Una vieja ilusión que retorna. La definición del cine como "arte de la imagen en movimiento" vuelve a quedarse pequeña con un nuevo intento de añadir también sensaciones olfativas a un entretenimiento que ya experimentó una auténtica revolución con la introducción del sonido.

Viena, unida a la historia del cine gracias al director Oliver Reed y la conversación entre Orson Welles y Joseph Cotten a los pies de la noria del Prater en El tercer hombre (1949), aspira a renovar su idilio con el séptimo arte, esta vez de modo oloroso. La protagonista será la sala IMAX de la capital austriaca, que además de ofrecer cine en tres dimensiones contará desde 2005 con un sistema controlado por computadora que acompañará las imágenes con efectos olfativos.

A través del olfato se consiguen "vivencias absolutamente sensitivas y muy antiguas", explica el gerente de IMAX en Viena, Alfred Gelbmann, al describir el invento. Este sistema supone "una nueva dimensión" para el cine y ha sido desarrollado por Yellow Point, empresa puntera en este tipo de efectos de última generación. Junto a la introducción de olores, se empleará una nueva tecnología de alta definición que mejorará la imagen.

Claro que pese al entusiasmo promocional de los inventores del sistema, la idea de acompañar la proyección de una película con efectos olfativos viene de antiguo. Tanto que dentro de dos años cumplirá un siglo. El primer intento de unir cine y olfato tuvo lugar en 1906 en la sala Family de Forest City, en Pensilvania (EE UU).

A los gerentes de dicha sala se les ocurrió impregnar bolas de algodón con agua de rosas y esparcirla mediante un ventilador mientras se proyectaba un noticiario sobre el Torneo de las Rosas. Luego, el honor de ser la primera película de ficción olfativa recae en la romántica El gran combate (1928), de George Fitzmaurice, en la que las andanzas del joven Gary Cooper se vieron acompañadas por un sistema que rociaba con ventiladores esencias que "ilustraban" las imágenes en pantalla. Después vinieron nuevos y variados intentos que nunca cuajaron. Las nuevas tecnologías puede que ahora lo consigan.

Según Hollywood Reporter Charlize Theron se ha hecho pupita durante el rodaje de una de las (supongo que muchas) escenas de acción de "Aeon Flux", la versión en imagen real de las aventuras de la superheroina futurista creada hace años por el animador Peter Chung para el programa producido por MTV "Liquid TV". Afortunadamente la moza no corre peligro pero su lesión en el cuello ha resultado lo bastante grave como para que se suspenda la filmación durante al menos seis semanas. Mira que les advierten que no hagan las escenas peligrosas, pues nada... estas estrellas no aprenden. Y es que, definitivamente, en dibujo animado Aeon era más dura de pelar.

¿Os asustan las ecuaciones? Pues leed, leed...

14/Ago/04 (BBC)

(es+u+cs+t)² +s+ (tl+f)/2 + (a+dr+fs)/n + sin x - 1 es la fórmula infalible para calcular el miedo que producen las películas de horror. Según ella, "El Resplandor" de Stanley Kubrick sería la película de terror perfecta. Este es el resultado es la investigación de un grupo de expertos universitarios del King's College de Londres que se dedicó a calcular el secreto de hacer una obra maestra del género.

La fórmula combina elementos de suspense, realismo y capacidad de impresionar para medir el nivel de terror que provoca una película. Los investigadores pasaron dos semanas mirando películas como "El Exorcista" y "El Silencio de los corderos" para dar con la ecuación.

Los factores estudiados incluyen el uso de la música, el balance entre la vida real y la fantasía y la cantidad de sangre derramada. Como el suspense desempeña un papel tan importante en el éxito de una película, elementos como la música, lo desconocido, las escenas de persecuciones y la sensación de estar atrapado fueron agrupados, elevados al cuadrado, y sumados al factor susto.

Adicionalmente, los expertos señalaron que una película necesita ser realista para provocar verdadero miedo.

También estudiaron el número de personajes en las películas, y concluyeron que los espectadores muestran más empatía con grupos pequeños de personas. El equipo de investigadores tomó en cuenta además la oscuridad de la escenografía.

El escenario aislado de "El Resplandor", película ambientada en un enorme hotel que está cerrado durante el invierno, y la escena de la ducha del film "Psicosis", de Alfred Hitchcok, fueron considerados como ejemplos perfectos del genero del horror.

La fórmula también considera la cantidad de sangre, medida que contrapone al número de estereotipos presentes en la película. "Tiburón" fue el ejemplo perfecto de niveles apropiados de sangre pues, según los expertos, "Steven Spielberg alcanzó el nivel óptimo perfecto al permitir al espectador ver suficiente sangre para sentirse atemorizado por el gran tiburón blanco, pero no tanta para sentir repulsión".

Tal día como hoy, hace treinta años, este individuo se convirtió en un icono "pop" a costa de una de las mujeres más hermosas del planeta y de la vida que llevaba dentro. También marcó definitivamante la vida y la obra de uno de los cineastas con más talento que han existido, y convirtió una simple canción en un himno al mal rollo.

Cuando a finales de los setenta se emitió en España la miniserie de televisión "Helter Skelter" yo no sabía ni quien era Charles Manson, ni Sharon Tate, ni Roman Polanski, ni siquiera había escuchado el album blanco de los "Beatles". Hoy, recuerdo aquella serie, escucho aquella canción, reviso "El baile de los vampiros", veo el rostro que acompaña este texto... y no puedo evitar que se me encoja el estómago.

A veces, cuánto asco da ser persona.

¿Qué es lo que primero miráis en los "extras" de los DVDs? Yo me voy directo a las "escenas desechadas". Me encanta ver lo que podría haber existido entre esos momentos que ya me conozco de la película tal y cómo se estrenó en los cines.

Si os pasa como a mí, y os gusta "Muerte entre las flores", id aquí y podréis leer tres escenas eliminadas de este largometraje. Una de ellas cayó en la sala de montaje, y las otras dos ni siquiera llegaron a rodarse.

Si esto os abre el apetito y sois de los que os gusta leer guiones, aquí encontraréis el guión completo.

Está bien recordar a Ethan y Joel en sus mejores momentos... ahora que parecen haber pasado.

Mientras nuestros escenarios se incorporan de un tiempo a esta parte al rollo Broadway ("Cats", "El hombre de la mancha", "El fantasma de la ópera"...), aunque sea con tres décadas de retraso; y lo más fresquito que podamos encontrar por aquí sea la adaptación teatral de "El otro lado de la cama" (estreno en septiembre), por ahí fuera juegan mucho más fuerte. Como muestra sirva el ejemplo de "Evil Dead: the Musical", que como su propio nombre indica no es sino la adaptación al escenario y con cancioncillas de la hemoglobínica saga fílmica de Sam Raimi. La cosa promete muchísimo (descuartizamientos y bailes... ¡guau!) más me voy a quedar con las ganas de saber cómo quedan escenas inolvidables como las de la sierra mecánica mientras el actor emite gorgoritos, ya que, de momento, no voy a pasarme por Toronto.

Al parecer la obra aglutina las tramas de las tres películas y todo el mundo maneja el "Rocky Horror Picture Show" como referencia más obvia. Claro.

El siguiente "sketch" inédito lo escribí para el programa "Telecompring" del canal Paramount Comedy, cuyo contenido consistía fundamentalmente en anuncios de productos inexistentes y absurdos. Es decir, parodias de las Teletiendas. El programa desapareció hace meses y este guión fue uno de los que nos quedamos a punto de grabar.
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IMAGINARY GIRLFRIEND.

INT. SALÓN - DÍA

Reunión de amigos, todos parejitas, excepto el anfitrión (Hugo, un friki de cuidado, feo y con acné). Juegan al Monopoly y, a veces, los novios se dan piquitos. Hugo mira a los demás con envidia y tristeza.

PRESENTADOR (off): ¿Eres FEO y por eso no tienes novia?

Hugo mira a cámara y asiente, con expresión patética.

PRESENTADOR (off): ¿Harto de no catarlo?

Hugo mira a sus amigos, quienes ahora se comen los morros a lo bruto, sobándose como animales. Todo es exagerado e intuimos que responde a la paranoia del desesperado Hugo.

PRESENTADOR (off): Pero... ¿qué duele más? ¿La soledad?

INSERTOS SUCESIVOS:

INT. PASILLO – DÍA

Hugo entra en el baño con una revista porno.

PRESENTADOR (off): Que al menos tienes formas de combatir...

INT. DORMITORIO - DÍA

Hugo en pijama. En su cama hay una muñeca hinchable.

INT. SALÓN - DÍA

Un dedo marca 906 en el teléfono. Se abre el plano: Hugo tiene el auricular en la oreja y una caja de kleenex en la otra mano.

INT. SALÓN - DÍA

Los amigos ahora le miran con lástima: “pobre, está solito”.

PRESENTADOR (off): O esa ASQUEROSA compasión que provocas en los que te rodean.

Se acercan a él y le rodean en plan amiguitos.

HUGO (a cámara, enajenado): ¡¡Odio la compasión!!

PRESENTADOR (off): ¿Y si te inventas una novia?

Hugo sonríe pensando: “¡Claro! ¡Eso es!”.

PRESENTADOR (off): Pero nadie te creería. Porque, recuerda...

HUGO: Ya... Lo sé, lo sé...

INT. CUARTO DE BAÑO – DÍA

Hugo frente al espejo.

HUGO: Soy feo... feo... ¡Feooooooooo!

FONDO NEUTRO: PRESENTADOR

PRESENTADOR: Tranquilo, infeliz, tranquilo... la solución a tu problema se llama... (coge la caja y la enseña) ¡¡¡”IMAGINARY GIRLFRIEND”!!!

DETALLE MANOS MANIPULANDO EL CONTENIDO DE LA CAJA.

PRESENTADOR (off): Un kit con todo lo necesario para crear de forma sutil la impresión de que ya no estás solo, de que mantienes...

FONDO NEUTRO: PRESENTADOR

PRESENTADOR hace gestos obscenos, simulando copula, mamadas, etc.

PRESENTADOR (cont.): ... una bonita relación sentimental.

INT. DORMITORIO – DÍA

Hugo tiene abierto en la cama el kit de “Imaginary Girlfriend”. Según saca productos, la voz de PRESENTADOR los va describiendo.

PRESENTADOR (off): ¡Pinzas-chupetón! Ideales para simular en su cuerpo signos de pasión femenina...

Hugo saca las pinzas y se las lleva al cuello.

INT. SALÓN – DÍA

Un amigo se fija en un moretón que tiene Hugo en el cuello.

AMIGO 1: ¿Y eso? ¿Qué te ha pasado ahí?

HUGO: (haciéndose el misterioso)Ah... ¿esto? Nada, nada...

INT. DORMITORIO – DÍA

Hugo saca del kit una pequeña cajita transparente llena de... pelillos... rubios... más bien gruesos.

PRESENTADOR (off): ¡Surtido de pelillos íntimos! ¡De colores variados por supuesto!

INT. CUARTO DE BAÑO - DÍA

Uno de los amigos de Hugo está lavándose las manos. De pronto, la vista se le va hacia la bañera, donde ve una esponja. Algo le llama poderosamente la atención (ZOOM BRUSCO).

Vemos la esponja de cerca: entre sus poros se distinguen perfectamente... ¡UNOS CUANTOS PELILLOS RUBIOS!

El Amigo coge los pelos y se queda atónito mientras los mira.

FONDO NEUTRO: PRESENTADOR

PRESENTADOR saca objetos diversos del kit y los va enseñando.

PRESENTADOR: Y más evidencias de que en su casa ha estado una mujer, como... Kleenex perfumados para diseminar por los ceniceros, esponjitas desmaquilladoras...

INT. SALÓN – DÍA

Los amigos juegan al Monopoly con Hugo. Uno ve algo saliendo de un pliegue del sofá. Tira y se trata de... un sujetador.

PRESENTADOR (off): Ropa interior “olvidadiza”. ¡Perfecta para evocar revolcones casuales!

El Amigo disimula, avergonzado, y lo vuelve a ocultar.

INT. PASILLO – DÍA

Dos amigos están con Hugo. Uno ve en un libro en el recibidor. En la portada vemos en letras grandes: Paulo Coelho.

AMIGO 1: ¡Pero si tú odias a este mamón!

HUGO: ¡No es mío! Es que estuvo aquí... una visita y... se lo dejó olvidado.

AMIGO 2: ¿Una... visita?

Los dos amigos cruzan una mirada de entendimiento.

FONDO NEUTRO: PRESENTADOR

PRESENTADOR saca un pequeño spray del kit.

PRESENTADOR: Y la estrella del paquete: ¡Un spray con olor a hembra!

Rocía a su alrededor y aspira... en plan grosero, claro.

INT. SALÓN (DISTINTO AL OTRO) - DÍA

Otro Tío está con un par de amigos (chico y chica).

PRESENTADOR (off): ¡También recomendado para gays que no les da la gana salir del armario!

TÍO (levantándose y saliendo del salón): Os traigo unas infusiones.

La Chica sujeta una braguitas que han aparecido en el sofá.

CHICA: Y yo que siempre pensé que era trucho.

CHICO: Pa que te fíes de las apariencias...

BODEGÓN PRODUCTO

PRESENTADOR (off): ¡Imaginary Girlfriend! Esencia de mujer... para quién no las tiene a mano.

FIN

En el verano de 2003 el irrepetible cineasta Werner Herzog llegó al lago Ness con la intención de dirigir un documental sobre el mito de la supuesta criatura prehistórica que vive bajo sus aguas. Su título iba a ser “Enigma of Loch Ness”. Paralelamente, John Bailey (director de fotografía de films como “Silverado” o “Mejor imposible”) se encontraba siguiendo a Herzog para dirigir otro documental sobre su vida, su carrera… y su leyenda, claro.

Lo que ocurrió allí fue una suma de peripecias y desastres de tal magnitud que finalmente ni uno ni otro proyecto llegó a buen puerto. Pasado el cataclismo, el productor de “Enigma of Loch Ness”, Zak Penn (guionista de “El último gran héroe”, “X Men 2” y “Electra”) decidió reunir todo el material disponible sobre lo ocurrido y dirigir él mismo un nuevo documental titulado “Incident at Loch Ness”.

El 10 de agosto en la Cinemateca de Los Angeles se exhibe por primera vez esta película, de la cual ya se comenta que resulta delirante, divertida, triste y aterradora al mismo tiempo. No os hacéis una idea de las ganas que tengo ya de verla.

Esta es la crítica que hice en la revista "Fotogramas" de una película que me enloquece, "In the Mood for Love" (aquí se estrenó con el absurdo título de "Deseando amar").

Dirección y guión: Wong Kar-Wai. Intérpretes: Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan, Lai Chen. Fotografía: Christopher Doyle, Mark Li. Música: Michael Galasso. Montaje: William Chang.

Primero, una advertencia. Esta película es una obra maestra, desde luego, pero quizá no el tipo de obra maestra que algunos comentarios les hayan hecho creer. Aviso: el largometraje de Wong Kar Wai NO es un melodrama preñado de emoción, ni un perfecto mecanismo exprime lagrimales alrededor del amor frustrado, ni una de esas obras de aliento clásico y supremo romanticismo que recupera el sentimiento íntimo que bla, bla, bla... No, no y no. “In the Mood for Love” es ”algo” mucho más perverso, retorcido y ambiguo que las mejores pelis “de llorar” que conozcan (y piense aquí cada uno en “Breve encuentro”, “Tú y yo”, “Los puentes de Madison”... o en la referencia más adecuada disponible en su memoria cinéfaga); el film del hongkonés de las gafas de espejo es un ejercicio cinematográfico que por encima de su esquinado funcionamiento como “love story” resulta, en realidad, un alambicado tratado fílmico sobre el secreto, sobre las motivaciones no explícitas, cuya importancia se sitúa en las fronteras mismas del experimento lingüístico, del hallazgo expresivo. Considero oportuno el aviso al no dejar de oír y leer comentarios sedimentados tras su triunfal circuito festivalero y machaconamente focalizados en el supuesto sentimentalismo a flor de piel de este romance oblicuo y capicúa; lo cual, creo yo, puede acabar por reducir injustamente su valoración al mero reconocimiento en el manejo virtuoso por parte del autor de “Chungking Express” y “Happy Together”” de ciertos códigos genéricos.

Sublimación postmoderna de la ficción rosa más asequible, de la fotonovela incluso; “In the Mood for Love” vendría a ser, por así decirlo, una vivisección de tales géneros “menores” desde una posición malvada y extremadamente cerebral. Frente a la torrencialidad dramática de dichos modelos, tradicionalmente dirigidos al bajo vientre del espectador, Wong Kar Wai, manierista de la frugalidad, sitúa aquí el “Estilo” (así, con mayúsculas) en primera línea, como objetivo central, como fin último... de ahí que el impacto de su obra resulte ante todo sensorial.

Estudiando los métodos empleados por el cineasta en esta obra tan compleja en lo conceptual como sencilla estructuralmente, comprobamos que su objetivo nunca fue el de sembrar ese ansia de cumplimiento argumental y ruptura de las expectativas propio del cine “lagrimal”, sino provocar cierta suspensión del aliento a un nivel de percepción puramente artístico. Y es en este plano formal donde “In the Mood for Love” sí deviene experiencia limítrofe, gracias a un grado de estilización que alcanza a veces la pura abstracción escénica (resoluciones de escenas en verdad únicas, planos que atentan contra el sentido común narrativo, rebuscadísimos usos de la voz en off y, sobre todo, el fuera de campo, elipsis que son casi saltos mortales dentro del flujo del relato...). “In the Mood for Love” no es, por tanto, “otra” arrebatadora película sobre el amor sino una calculada y altamente obsesiva investigación audiovisual sobre los códigos escénicos que el cine ofrece para materializar precisamente dicho sentimiento (ese “mood”...) en pantalla, un ensayo de laboratorio movido por la reflexión y la autoconsciencia representativa que niega, una a una, toda fórmula capaz de convertir una obra así en pura “papilla-ficción”.

¿Seguro que estamos ante una película “de amor”? Al verla cuestiónenselo. Igual que David Hemmings en “Blow Up” halló la verdad imposible en la ampliación y fragmentación obsesiva de una esquirla de realidad evidente (aparente) pero falsa, les animo a descuartizar, deconstruir este hipnótico caleidoscopio en sucesivos visionados, rechazando comodidades apriorísticas, hasta desentrañar el desolador enigma agazapado entre sus aterciopeladas imágenes, sus diálogos entrecortados, y, desde luego, en la malvada ironía oculta en su satinada, absorbente banda sonora.

Son películas como ésta las que posibilitan que el lenguaje del cine progrese, que sus pautas de representación crezcan; son cineastas como Wong Kar-Wai los que siempre nos han permitido mejorar como espectadores.

LO MEJOR: El ambiguo juego de espejos deformantes creado entre las dos parejas de adúlteros a través de las acciones de sólo una de ellas.

LO PEOR: Que suela olvidarse la decisiva aportación de los más estrechos colaboradores de Wong Kar-Wai durante toda su carrera: el fotógrafo Christopher Doyle, y el multifacético William Chang, nada menos que productor ejecutivo, director artístico y montador.

PARA: Quien no quiera perderse un hito del cine reciente.

RESUCITAN A LAURENCE OLIVIER.

Gracias a la magia digital, el actor "participará" en una cinta junto a Jude Law, Gwyneth Paltrow y Angelina Jolie.

El Universal. 1/8/2004

A 15 años de la muerte del británico Laurence Olivier, considerado por muchos como el mejor actor de la historia, regresará a la pantalla en la cinta "Sky captain and the world of tomorrow", gracias a la magia de los efectos especiales.

Jude Law, protagonista de "Sky captain...", compartió su emoción con los asistentes de la Comic-Con 04, al momento de revelar que la actuación de Olivier se armó retomando segmentos de sus actuaciones en su filmografía de 50 años, para digitalmente ser insertadas en la cinta dirigida por Kerry Conran. Algunos de sus diálogos serán doblados por un actor de quien no se reveló el nombre.

"Olivier interpreta al villano. De su personaje se habla durante toda la cinta, así que sabes que tarde que temprano tendrás que verlo. El suspenso crece a medida que avanza la proyección hasta poder apreciarlo en la secuencia climática del filme como si fuera un holograma", explicó Law.

Aunque no se reveló qué cintas de Olivier fueron utilizadas para armar su actuación, sin duda los aficionados al cine verán interesante cómo Hollywood puede traer a sus leyendas de vuelta a la pantalla.

Hace diez años, Conran soñó hacer una película que involucrara un héroe tipo cómic que se llamara Sky captain. De inmediato, el realizador tomó una limitada Macintosh IIIci e invitando a unos amigos a filmar frente una pantalla azul, se dedicó a crear una animación que le haría justicia a su imaginación. "Sky captain..." se concretó cuando el productor Jon Avnet vio el corto de Conran, que lo impactó por la idea de forjar un mundo donde la única acción viva serían los actores y el resto animación digital. De inmediato, el ejecutivo buscó a Jude Law pensando que le agradaría el proyecto.

"Lo mejor es que interpreto a una especie de Flash Gordon, el héroe que de niño quería ser", explicó el protagonista de "Inteligencia artificial".

La película se estrenará en los Estados Unidos el 17 de septiembre, además de Law el filme cuenta con la participación de Gwyneth Paltrow, Angelina Jolie y Giovanni Ribisi.

Desde que se sabe que Brian Singer abandona la franquicia mutante en favor de Superman, flota en el aire la duda de quién será el nuevo piloto del pájaro negro de Xavier. La revista Cinescape ha planteado una encuesta entre sus lectores para encontrar entre todos el director ideal para la nueva entrega de los X Men. Los resultados son interesantes, desde luego, y dicen mucho sobre dónde termina la cinefilia y donde empieza el frikismo comiquero.

Helos aquí:

JOSS WHEDON: 36%
James Cameron: 14%
Guillermo del Toro: 14%
Ridley Scott: 9%
Los Wachowski: 8%
Alex Proyas: 7%
David Goyer: 6%
Rob Bowman: 2%

Yo admiro mucho a Whedon (que es el de la foto de arriba), pero es obvio que, con su primer largometraje como director (“Serenity”, el “spin off” de su cancelada serie “Firefly”) todavía rodándose, lo que más influye en los votos de los fans es su labor como nuevo guionista de los "muties", tras la marcha de Grant Morrison. Ya se verá…

Que no se enfaden los homosexuales, que el título de esta entrada es una bromilla inocente. La primera bobada que me vino a la cabeza cuando me enteré ayer (se sabe desde hace días, pero no soy un recolector voraz de noticias) de que el director de la nueva peli de Superman será nada más y nada menos que... ¡Brian Singer! Sí, el niño prodigio, el pequeño genio, el más talentoso abanderado rosa del cine comercial americano. ¿No me digais que no habíais notado el clarísimo subtexto gay de todos sus largometrajes? Es más, me atrevería a decir que las dos pelis de los X Men resultan las parábolas homófilas más inteligente y efectivas que jamás han salido de Hollywood, medio de tapadillo, claro, pero con un mensaje de una transparencia notable.

Eso sí, olvidaos de ver a una Lois Lane mínimamente "sexy". Os recuerdo que Singer fue el hombre que convirtió a Tormenta en un personaje del todo asexuado... ¡teniendo a Halle Berry! ¿Parecía misión imposible, verdad? ¡Pues él lo consiguió! Ya os digo que talento le sobra a este chico.

Y eso que, ahora que lo pienso, la Margot Kidder de la saga de Richard Donner tenía un trago...

En fin, no adelantemos acontecimientos. O mejor dicho, sí podemos adelantar uno: la peli será buena. Sería la primera vez que Singer decepcionara.

Lo que no me encaja en todo esto es Jim Caviezel (el equivalente a Rufino pero con abdominales) volando sobre Metropolis. ¿Le permitirá su ultracatolicismo trabajar a las órdenes de miembros del colectivo arco iris? ¿Le excomulgara el Papa Gibson?

Ummmm... y después de contratar a Ian McKellen como Magneto, ¿en quién habrá pensado Brian para el papel de Lex Luthor? ¿En Elton John? ¿Rediseñará Alexander McQueen el traje de la S? ¿Entrará Clive Barker en el guión?

Ahora la saga que queda huérfana es la de los mutantes, me temo. Desesperados deben andar buscando nuevo director que asuma semejante monstruo. Yo les propondría a la Bigelow. Dirige como Dios y a esa sí que le molan las mujeres de rompe y rasga.

La revista que más mola, es decir Wired, le dedica bastante espacio en su último número al largometraje "Yo, Robot". La peli aun no la he visto pero Alex Proyas me suele gustar, Will Smith no me repugna (como le ocurre a tanta gente, no sé porqué...) y, en cambio, Asimov siempre me pareció un plasta y un agüillas. Vamos que a lo mejor cuando la vea mi discurso será el contrario al oficial, que tanto se escucha ya: "¡Oh, han destruido la novela!".

Aquí os dejo un link a los artículos más interesantes de este Wired.

No sé si conocéis esta serie, pero ahora que van a hacer la película seguro que oís hablar de ella. Está bastante bien, os la recomiendo.

De ICV2.

Simpsons Film Confirmed
TV Series Will Continue

July 26, 2004

During the Simpsons panel at San Diego's Comic Con International, executive producer and longtime Simpsons contributor Al Jean announced the news that many fans have been waiting for: "There will be a movie," putting enough "English" on the word "will" to leave no doubt among the faithful that they will be able to see the yellow-hued denizens of Springfield on the big screen. Jean did not provide a release date, saying only that the show's producers were taking the time to get it right.