UN TOQUE DE AZUFRE

Ando fatal de tiempo, pero una noticia así no podía dejarla pasar sin hacerle un huequecito aquí:

De Periodista Digital.

ROBOTS-MANIQUÍS JAPONESES CAMBIAN DE POSTURA ANTE LOS CLIENTES

Una firma japonesa ha desarrollado un robot, que colocado en el escaparate de una tienda, puede adoptar una determinada actitud hacia los clientes, así como espiar quiénes son y qué están comprando.

Agencias. 01/03/05.

"Los maniquís pueden estar quietos, pero se pondrán en funcionamiento en cuanto noten la presencia de un nuevo cliente", afirmó el diseñador del robot, Tatsuya Matsui. El maniquí usa una mirada más atractiva para aumentar en los consumidores el apetito de compra", dijo Matsui, que preside Flower Robotics Inc.

El robot femenino, llamado ’Palette’, puede imitar a las mujeres más bellas del mundo usando unos movimiento tecnológicos de captura en imitación a las supermodelos. Pero Palette puede convertirse en una espía industrial, con su programación orientada a adivinar la edad y el sexo de los compradores, e incluso, identificar los bolsas que llevan, para pasar la información a los departamentos de marketing. Matsui desarrolló Palette con la compañía de software SGI Japan Ltd. y piensa comenzar a venderla este año a las industrias de moda y servicios.

El precio no ha sido marcado todavía, pero SGI quiere que esté lo más cerca posible de los costes de los robots-maniquís convencionales", dijo Hiroshi Otsuka, quien está a la espera de una promoción en SGI Japan.



"Hay una oportunidad de cambio en el concepto de estaticidad que no había cambiado en más de un siglo", dijo Otsuka. El robot debe recordar a algunas personas a la película norteamericana de 1987 ’Maniquí’, protagonizada por Andrew McCarthy, en la que interpretaba a un vendedor de grandes almacenes que se enamora de una maniquí, quien a su vez era realmente una antigua mujer egipcia. "La atención de los clientes se centraría en el rostro del muñeco si lo tuviera", dijo Matsui, el diseñador, destacando que lo que quería era que los compradores se fijaran en la ropa y las joyas que lleva puestas el maniquí.

Palette está disponible en dos versiones, de cuerpo entero sin piernas o sólo el torso superior, preparada para mostrar joyas. Matsui dijo que quería en el futuro diseñar a Palette con piernas acompañada de un hombre y niños-maniquís.

En 1997 los artistas Clark Whittington y Reed Maxwell tuvieron la ocurrencia de manipular una vieja máquina expendedora de tabaco, sustituyendo los paquetes de cigarrillos por fotografías en blanco y negro. De esa forma, los asistentes a la exposición en que dicha máquina fue presentada podía llevarse a su casa una pequeña obra original de dichos artistas, con tan sólo introducir unas monedas. Ese fue el germen de lo que hoy se conoce como Art*O*Mat project, una iniciativa consistente en diseminar nuevos cacharros similares diseñados por los briosos Whittington y Reed (llamados ahora "Artists In Cellophane"), y cuyo objetivo no es sino el de incentivar la adquisición de obras de arte asequibles por parte de gente que, de no verlas dentro de una maquina expendedora, jamás se plantearía comprarlas.



Hay más de 400 artistas aportando sus obras a los Art*O*Mats, y no hay dos máquinas iguales, ya que sus "tuneadores" se han preocupado de elegirlas de las más diversas épocas y modelos. Además, los "Artists in cellofane" han distribuido cientos de dichos mamotretos no sólo en galerías de arte, sino también en instituciones de lo más diverso: hospitales infantiles, centros deportivos, asilos para ancianos, bibliotecas, etc. Más listos que son estos yanquis...

De La Nación. 01/Mar/05.

BIOJOYERÍA: JOYAS ELABORADAS A PARTIR DE CÉLULAS HUMANAS

Anillos de bodas confeccionados a partir de células de hueso, previamente extraídas de los futuros cónyuges, serán el primer fruto de la llamada "biojoyería". Esta naciente disciplina, mezcla de joyería y bioingeniería, propone elaborar joyas a partir de tejidos humanos.

"Es para personas que quieren darse un pedacito de su cuerpo el uno al otro", dijo Nikki Stott, diseñadora de joyas del Royal College of Arts de Londres, Inglaterra, a la edición online de la revista NewScientist. Stott y su colega Tobie Kerridge se asociaron con Ian Thomspon, un bioingeniero del King´s College, institución científica de la Universidad de Londres, para formar Biojewellery. El objetivo de este proyecto -sin fines de lucro, según aclaran sus propulsores- es producir "objetos provocativos" que enciendan el debate en torno de la biotecnología. "Al mostrar los procedimientos de la bioingeniería de esta forma esperar fomentar el debate ético y suscitar interrogantes críticos y constructivos sobre cómo los avances de la ciencia se relacionan con nuestras identidades y nuestros deseos", escribieron los líderes del proyecto en su página web (www.biojewellery.com).

Producir tejidos humanos aptos para el trasplante. Esa fue la meta que se propusieron hace poco más de una década los pioneros de la ingeniería de tejidos, disciplina aún experimental que hoy permite hacer crecer piel, vasos sanguíneos o hueso, a partir de células de esos mismos tejidos extraídas de los pacientes. En teoría, el procedimiento es sencillo. En el caso del tejido óseo, por ejemplo, se debe extraer un pequeño fragmento de hueso del paciente, a partir del cual se obtienen células con capacidad de reproducirse. Esas células son cultivadas en una matriz: una estructura tridimensional que posee la forma del tejido que se quiere construir. Como las matrices que emplean los expertos en la materia son biodegradables, a medida que las células se reproducen van ocupando el espacio que éstas les proveen. Así, finalmente se obtiene un tejido que puede ser trasplantado con una gran ventaja: como está conformado por las células del paciente no es rechazado por las defensas de su organismo.



Stott y sus socios en Biojewellery planean emplear este procedimiento para obtener pequeñas obras de arte. Para ello sólo necesitan diseñar matrices con forma de la joya deseada. Pero, al menos por ahora, quienes quieran lucir anillos u otras joyas elaboradas a partir de sus células (o las de sus futuros cónyuges) deberán sortear un pequeño obstáculo legal: en Inglaterra la ingeniería de tejidos sólo puede valerse de células obtenidas durante una cirugía que se realiza por otro motivo.

Por eso, puede leerse en la página web de Biojewellery: "El proyecto está buscando parejas que quieran donar sus células óseas, y lo ideal es que sean personas que deban someterse a extracciones de muelas de juicio. Es común que durante esas cirugías se extraigan pequeños fragmentos del hueso de la mandíbula". Quienes llevan adelante Biojewellery planean exponer las joyas que realizarán a partir de células humanas -ingeniería de tejidos mediante- en una exposición programada para septiembre de 2005, en el Guy´s Hospital de Londres, Inglaterra. Es más: el debate que seguramente encenderá esa muestra ya tiene un escenario previsto por los artistas y científicos del proyecto: el Museo de Ciencias de Londres.

Un adinerado fulano pagó hace un par de días 102.000 euros por este original de Hergé, en concreto perteneciente al libro "El cetro de Ottokar" de 1939 (uno de los mejores de Tintin, todo sea dicho). A mí me gusta mucho Hergé, pero, la verdad, ni aún teniendo esa pasta, tal y cómo está el mundo, me la gastaría en algo destinado a llenar un trozo de pared.
Uno es friki pero no imbécil. Más detalles aquí.

Circula la opinión entre los blogueros más curtidos que congregar a un numero considerable de lectores fijos ante tus chuminadillas es una mera cuestión de constancia. Tú no dejes de "postear", hombre, y ya verás como poquito a poco tus visitantes suben, suben y suben, respondiendo a una progresión más o menos estable. Más actualización, más incentivos para que la gente se pase más a menudo y, en buena lógica, una media de visitas más elevada.

Esa es la teoría, ¿vale?

Desde que abrí esté "blog" he pasado por épocas de actualizaciones diarias, de febrilidad "posteadora"; así como por otras de pereza total, de desapego hacia esta, mi excrecencia digital. Pues bien, tengo que decir que salvo en rachas prolongadas de falta de nuevo material, durante el resto del tiempo, las subidas y bajadas de las visitas diarias jamás han respondido a una pauta tan sencilla como "más actualizaciones, afluencia creciente". Es más, a veces las subidas y bajadas más estrepitosas se han producido en días en los cuales... no había pasado NADA. Esta chapa que os estoy soltando viene a cuento porque hace un rato me he quedado ojoplático al comprobar como ayer se batió el record de visitas diarias en "Un toque de azufre": 792. ¿Por qué? No tengo ni la más remota idea. Los "posts" fueron normalitos (nada de sexo, ni películas llamativas, ni escándalos religiosos...), pero, de pronto, sin ton ni son... zas, incremento escandaloso del número de visitas respecto a los días anteriores.



Hubo una época, hace unos meses, que la media diaria solía ser de entre 600 y 700 visitas. No obstante, de un tiempo a esta parte éstas habían bajado hasta no pasar de 300 los mejores días, estando a veces incluso por debajo de 200. No me importaba, la verdad, sobre todo teniendo en cuenta que, como decía, las subidas y derrumbes NUNCA respondieron a ningún patrón, al menos que estuviese en mi mano controlar (los cuales se reducen a cantidad, calidad y tipo de contenidos; factores en los que jamás han influido mis ganas por ser más visitado). Ahora bien, volviendo al tema: ¿qué ocurrió ayer para que, de buenas a primeras, más del triple de los visitantes habituales durante los últimos meses decidieran caer por aquí? Y ya que estamos... ¿son realmente fiables las contabilizaciones del dichoso Nedstat? Me la refanfinfla, sí, pero a la vez siento por este tema un molesto picorcillo de curiosidad, sobre todo teniendo en cuenta que cada vez hay más blogueros que incluyen publicidad y que, en teoría, esta resulta más rentable cuantos más individuos se pasan por sus chiringuitos.

En fin, que todo esto no pasan de ser haraganadas del bloguero más "low tech" que imaginaros podéis. Eso sí, mientras me como un tiramisú que no se lo salta un gitano. Abur.

Apenas un puñado de fanáticos de la animación primitiva recuerda hoy en día quien fue Oswald the Lucky Rabbit. Consultando cualquier enciclopedia de la animación (alguno de mis amigos tiene aún en su poder el libro de Maltin; por Dios, que se identifique y me lo devuelva de una vez) se aprende que este conejillo fue el personaje que sirvió a Walt Disney y a su explotado "amigo" Ub Iwerks para sentar las bases estéticas y humorísticas sobre las que poco después plantarían los pilares de su posteriormente exitoso Mickey Mouse. Concebido en principio para ser un apresurado (y clónico) sustituto del que había sido concebido como personaje estrella de la emergente compañía de Disney, cuando Universal rompió con él, arramplando con los derechos de Oswald y llevándose a todos sus empleados (excepto al leal Iwerks), Mickey no tardó en obtener muchísima más aceptación que su predecesor. Es decir, el sucedaneo derrotó al original, siendo el primero, de los muchos casos que vendrían años después, en que el espabilado Walt rió el último en la agitada industria de los dibujos animados del pasado siglo.

A partir de 1928, Oswald, ya en poder de la Universal, y el recién nacido Mickey (que al principio se llamó Mortimer), coexistieron en el seminal mercado de la exhibición fílmica. En primer lugar, Universal puso al conejo en manos de Charles Mintz, quien apenas un año después era expulsado, encontrando a continuación un nuevo hogar en Columbia, donde se responsabilizaría de los primeros (y maravillosos) cortos sonoros del Krazy Kat de Herriman. Walter Lantz, quien años después triunfaría con su Woody Woodpecker ("el pájaro loco", para nosotros los hispanohablantes) ocupó el lugar de Mintz, a las riendas de las cada vez menos exitosas aventuras de Oswald.



Entre 1928 y 1929, se produjeron 26 cortometrajes protagonizados por el conejo, que con el paso del tiempo han terminado por constituir un capítulo más bien ignoto en la historia del arte animado (ni siquiera Maltin los documentó en su "Of Mice and Magic). Son "cartoons", a caballo entre las etapas producidas por Disney y Lantz, olvidados en toda regla, pese a que en su fabricación participasen talentos de la talla de Rudolph Ising o el legendario Friz Freeleng, futuro pilar de los "Looney Tunes" de la Warner (donde, por cierto, también parasitarían algunos hallazgos de Oswald para su, por entonces estelar, Bosko).

Muchos más detalles de la historia de Oswald the Lucky Rabbit podréis hallarlos aquí, una sabrosa base de datos confeccionada por los especialistas David Gerstein and Pietro Shakarian, en el seno del imprescindible Cartoon Research. Una cita obligada para todos aquellos que sentimos una irresistible atracción por la monocromática animación de las cavernas."

Bright Light Film Journal es un revistón de cine "on line" para mear y no echar gota, lo que se dice la pera. Un nivel de textos estratosférico, una selección de temas intachable, un punto de vista crítico siempre afilado y, cómo no, esa versatilidad analítica, esa capacidad todoterreno que tanto echa uno en falta en gran parte de los textos sobre cine escritos en castellano, ya sea en la Red o en papel. Es decir, lo que hace unos años llamábamos una publicación "con actitud".

Y es que destilan tal inteligencia sus artículos que da gusto leerlos hasta cuando no estés demasiado de acuerdo (en mi caso, sin ir más lejos, en el reciente sopapo que le han metido a Closer).

No obstante, lo que ha motivado mi mención a Brigh Light era que quería llevaros hacia este interesante artículo, aparecido hace meses, donde se establecen unos acertados paralelismos estéticos y conceptuales entre la obra de Leni Riefenstahl y los magistrales y sensualmente amnióticos títulos de crédito creados por (sobre todo) Maurice Binder para la serie fílmica de James Bond.



Y a quien se le haya despertado el gusanillo por saber más sobre dichas secuencias de apertura, algunas ya legendarias, le recomiendo pasarse por aquí, y dejarse arrullar por la tersa ampulosidad característica de los trabajos de Robert Brownjohn, Binder y el "heredero" Daniel Kleinman. Hala pues.

Aunque el "spot" tiene su gracia lo importante sería que ayudase algo a frenar la persistente tragedia que el S.I.D.A está suponiendo para los países africanos. Es que acabo de escuchar las cifras de muertes estimadas para los próximos años... y se me han puesto de corbata.

En todas las fotos que recuerdo de él aparecía como un señor de aspecto impecablemente bronceado, pelo hacia atrás, camisas de colores claros, a veces estampadas, por supuesto, sonrisa acorazada, y manos ocupadas en tres únicas cosas: tocar el piano, sostener un cóctel o abrazar bellas señoritas (casi siempre en bikini y pareo). Hoy me he enterado que murió hace un par de días, a los 94 años, en su residencia en Hawaii. "Qué demonios...", pensé. "Ese tío sí que supo vivir".

Mi primer contacto con la música de Martin Denny se remonta hace década y media, aproximadamente, durante el retro-advenimiento seudoirónico de la llamada "lounge music", "easy listening" o sintonía para ascensores, como se referían a ella los menos afines a su ideario hedonista y selectivamente nostálgico. Pese a lo mucho que había de pose en aquella repentina voracidad por todo lo que implicara la risueña, domesticada fenomenología "pop" de la clase acomodada estadouniense antes de la irrupción del "rok & roll" y posteriores desengaños sociopolíticos y traumas a gran escala (como el magnicidio de Dallas o el desaguisado en Vietnam), lo cierto es que bajo esa irracional inmersión en unos tiempos de inocencia y (aparente) bienestar, bajo dicha recuperación "naif" del poco después mancillado "sueño americano", al menos, tuvimos la oportunidad de acceder a la olvidada discografía de músicos extraordinarios como Esquivel, Lex Baxter o el propio Denny.

Si otros eligieron como pilares de sus respectivas obras o bien la soltería "snob" o los sonidos de otros mundos, Martin Denny fue, sobre todo, el hombre que acuñó el concepto de "exotismo" (es decir, algo así como lo selvático visto desde Honolulu) como complemento auditivo y estético al "american way of life". Prácticamente todo lo que se ha conocido como "Tiki Culture" se podría destilar mediante la escucha y contemplación de la portada de cualquiera de sus LPs clásicos, de títulos tan ilustrativos como "Primitiva", "Ultrajungle", "The Call of Tiki" o, cómo no, "Exotica".



Nacido el 12 de abril de 1911, en Nueva York, Denny comenzó a tocar profesionalmente el piano apenas con veinte años, si bien no sería hasta mediados de los cincuenta cuando, tras instalarse en Hawaii y formar un cuarteto con el bajista John Kramer, el vibrafonista Arthur Lyman y el percusionista Augie Colon, sentaría las bases estilísticas de lo que pronto recibió el nombre de sonido "exotica". Al parecer fue al escuchar el croar de las ranas en un pantano cercano a su casa cuando a Denny se le ocurrió salpicar una de sus composiciones con cierto ambiente "de exterior". Aquella iniciativa pronto cristalizaría en la creación de su inconfundible sonido de la jungla, a base de ruidos diversos de animales (chimpances, aves diversas...) mezclados con el murmullo del viento en las hojas de los árboles, el chapoteo del agua en las cataratas, etc. En la parte instrumental, como es lógico, las canciones de la banda no tardarían en llenarse de percusiones de aire indefiniblemente tribal (tambores, gongs, congas...), así como de secciones de viento y cuerda de procedencia no estadounidense, a años luz tanto del "jazz" como del sonido "big band" que previamente habían practicado Denny y los suyos.



Buena parte de la magia que aquella música sigue conservando todavía hoy se debe a la desfachatez de Denny a la hora de fusionar, aunque fuera de manera incoherente, todo tipo de influencias y "tics" sonoros, a poco que sirviesen para sugerir ambientes paradisíacos, vinieran de Latinoamérica, Asia o África. Lo selvático, entendido casi como un concepto onírico, siempre fue para él una excusa perfecta para la mezcla poco menos que surrealista de trascender la tiranía melódica y abismarse en la experimentación atmosférica, quedándose en ocasiones en el mismo borde de la abstracción. Imposible escuchar su hipnótica música sin experimentar en el paladar el imaginario pellizco de una piña colada o un coco loco, sin visionar mentalmente a Betty Page posando junto a un árbol, cubierta por escuetas pieles de leopardo... sin experimentar cierta añoranza de un paraíso inexistente, de otros tiempos civilizadamente salvajes, nunca vividos.

Estos días se estrena en Madrid el musical "Hoy no me puedo levantar", ya sabéis, la alternativa ibérica al éxito de los "Mamma Mia" de Abba y "We Will Rock You" de Queen. Un amigo mío, guionista y director de cine, entró esta mañana en la página web de dicha obra y... sufrió una apoplejía, el pobre. Veréis, él es un tío sensible (facción metalera, pero sensible al fin y al cabo) y, claro, semejante panegírico a Mecano le ha producido costurones en el alma. Llevado por la rabia (debida, en parte a los Torroja-Canos, y en parte a la mala vida que le dan en la cutreserie que le proporciona alimento mientras espera la llegada de su siguiente largometraje), mi amigo me escribió este mensaje-relato, que aquí reproduzco en su totalidad:

Mi odio a Mecano ha hecho que se me ocurra una idea genial para una película que haré si alguna vez soy rico. La peli se titula: "Hoy no te puedes levantar".

Va de un diabético psicópata al que todas las cosas malas de la vida le han pasado con canciones de Mecano de fondo.

Cuando escucha que van a sacar un nuevo CD con DVD empieza su masacre. Su forma de actuación es la siguiente. Va a una tienda de discos y espera que alguien compre algo de Mecano. Sigue a la víctima hasta su casa y la inmoviliza. Luego le amputa tantas extremidades como CDs del grupo nauseabundo haya comprado, empezando por las piernas. Deja claro que su actuación ha sido por comprar el disco de Mecano.

Los hermanos Cano y Ana Torroja, que tienen muy buenos sentimientos, se apiadan de sus fans troceados y deciden dar un concierto exclusivo para las víctimas amputadas. Algo muy pequeño, íntimo y amoroso. El prota entonces actua con determinación. Se corta las dos piernas y finge ser una víctima del malvado psicópata para poder ir al
concierto. Llega el día del concierto y empieza Mecano a cantar. Nuestro
protagonista se ha llevado un cubo de insulina para resistir la baba, pero los fans se mueven mucho en sus sillas de ruedas, le tiran las dosis. Cuando va a recuperarlas se las aplasta una chica a la que cortó todas las extremidades y que se mueve en una silla que dirige soplando por una pajita. El lame el suelo, la insulina, pero el concierto no acaba. El azúcar le va subiendo, se la mide, va a morir.

Mecano ha terminado, va a bajar a besar a sus fans. El loco coge el cuchillo eléctrico, pero la muchedumbre amputada pide un bis. Mecano empieza a cantar otra vez. El psicópata sabe que no podrá resistir otro tema más, especialmente el "Hijo de la luna", así que sin dudarlo se corta el cuello y muere desangrado. Lo último que oye en su vida es
eso de "nosequeleches, nació un niño..."

Y no sé si hay algún epílogo, todavía no se me ha ocurrido. De momento sé que los asesinatos se cometerían con versiones punkarras, death y ruidosas de Mecano.

Para que veáis que en el cine español SÍ hay gente con talento, sólo hace falta que algún productor (no subnormal) les dé alguna oportunidad. Destroy!

Televisivo, quiero decir. Se llama "Nada que perder" y desde anoche se emite en Paramount Comedy de lunes a viernes a las 22:30, con repeticiones a la 1:30. Este programa surgió de la intención del canal de añadir un nuevo espacio "de entrevistas" a su oferta nocturna, complementario al ya existente Noche sin tregua. En principio se me pidió la creación de un programa "similar pero diferente" a éste, es decir, manteniendo las habituales características de los "talk shows" de toda la vida (presentador con traje, tono simpaticoide, entrevistados famosillos, colaboradores espabilados, decorado limpito, etc), pero tratando de introducir también los suficientes ingredientes propios como para distinguirse claramente de NST. Desde el primer momento, el objetivo con "Nada que perder" fue conseguir un producto que, sin dejar de resultar "mainstream", filtrara los suficientes contenidos ajenos a los manejados en el resto de programas que suelen emitir en dicha franja horaria, como para que, primero, pudiera interesarme a mí dirigirlo, y, segundo, buscase atraer a un público con el parque neuronal algo más activo que el seguidor medio de, por ejemplo... "Las cerezas".



Para este empeño he tenido la suerte de contar a mi lado con dos de los mejores profesionales con que me he cruzado en estos últimos años. De entrada, el presentador, guionista y co-responsable de contenidos de "Nada que perder" es Ricardo Castella, quizá el monologuista con más talento (y lo digo tranquilamente) de todos los surgidos de la cantera de Nuevos Cómicos. En la retaguardia, armado con su procesador de textos y su ingenio, se encuentra el teléfago y omnívoro cultural Pepe Colubi, uno de los mejores periodistas "pop" de este país tan poco dado al periodismo "pop".

Entre los tres, y en apenas dos meses, hemos levantado (todavía no tengo muy claro "cómo", sólo que ha sido una señora paliza) este proyecto que desde ayer ocupará cada día media horita de la banda catódica nocturna. La estructura de "Nada que perder", como decía, no presenta ninguna novedad reseñable respecto a tantos "late nights" y programas de entrevistas de los que de un tiempo a esta parte han comenzado a surgir como setas en las cadenas generalistas. Eso sí, la diferencia respecto a ellos tratamos que radique en el contenido, intentando, ni más ni menos, que las entrevistas sean mejores, que el humor sea más efectivo, que los invitados no sólo sean famosos acostumbrados a responder con rutina a las preguntas de siempre...



En cuanto a los colaboradores, se trataba de que también tuvieran un perfil distinto tanto de los ubícuos polemistas vociferantes de los "magazines" triperos, como de los graciosos que aguantan en el sofá los minutos que hagan falta con unos cuantos chistes aprendidos... La plantilla reclutada para aportar contenidos interesantes a "Nada que perder" consta, de momento, de los siguientes nombres: Mauro Entrialgo, Nacho Escolar, Ángela Vallvey, Sandra Uve, Nacho Faerna, José Antonio Martínez Soler, Marta Peirano, Jordi Costa, Elena Cabrera, Pedro Berruezo, Jesús García, Ángeles González Sinde y Dario Adanti. El espectro de temas que tratarán todos ellos (cada uno desde su respectiva parcelita) se puede calificar de amplio... a la par que disparatado. A saber: coleccionismo "pop", cultura digital, conspiracionismo, guerra de sexos, política, economía, cine, análisis crítico de la prensa, biografías "de culto", etc, etc, etc. Es decir, un mosaico voluntareamente heterogeneo, con alguna que otra saludable inmersión en la locura.

Julián Hernández en "Nada que perder".

En suma, "Nada que perder" nace como un programa modesto en cuanto al formato, pequeño, casi íntimo, en lo que respecta a la producción, pero relativamente ambicioso en todo lo que afecta al contenido. Y es que, aunque ni mucho menos tratemos de hacer historia, tal y cómo están las cosas en el "prime time", ofrecer ahora mismo 25 minutos de entretenimiento no oligofrénico y sin el agobio por captar audiencias mayoritarias que imponen las televisiones generalistas, me parece que tampoco es moco de pavo.

Bueno, me tengo que ir a grabar el programa de hoy. Para más detalles respecto a "Nada que perder" os emplazo a que zascandileéis en su todavía seminal página web. Allí encontraréis, de momento, una breve presentación, así como los contenidos concretos de esta semana. Ya os iré contando qué tal...

EL CORTO "SNUFF 2000" SE DISTRIBUYE EN MÁQUINAS EXPENDEDORAS.

La obra estará a disposición del público en máquinas de tabaco,
que expenderán un mini-CD del tamaño de una tarjeta de crédito.

El cortometraje es un formato cinematográfico que, excluido de las salas de cine comerciales, busca formas alternativas de distribución que les permitan llegar al público y financiar parte de sus costes, más allá del potente circuito español de festivales y premios. Y así, el cine se sirve en una máquina de tabaco. Dos euros es la moneda que hay que introducir en la máquina expendedora del Café Macondo de A Coruña, donde se ha presentado estos días la iniciativa, para adquirir el cortometraje “Snuff 2000”, gracias a un proyecto de la Asociación Cultural para la Promoción de la Cultura Ciclo.org. En una feria de exposiciones de Santander, una máquina expendedora de discos, cine... llamó la atención uno de los creadores de la iniciativa, Johnnie Estrella. "No teníamos posibilidad de disponer de una máquina así, pero pensamos en algo que estuviera en todas partes: una máquina de tabaco", explica.



Las ventajas que ofrecen las nuevas tecnologías hicieron el resto. El resultado, un Compact Disc con las dimensiones de una tarjeta de crédito que se puede reproducir tanto en DVD como en ordenadores.
El cortometraje elegido para la iniciativa de Ciclo.org, bautizada como “Snuff-matic” ha sido “Snuff 2000”, una cinta del bilbaíno Borja Crespo producida por el coruñés Adrián López, grabada en Madrid y estrenada en el Festival de Sitges 2002. Desde entonces este trabajo ha visitado numerosos festivales y muestras a nivel internacional. "El nuestro es un corto de culto que creo que puede funcionar muy bien en esta nueva forma de distribución", asegura Crespo. "Es un canal de distribución curioso que si funciona y va creciendo puede ayudar a sacar adelante muchos proyectos", asegura, "el corto es un formato muy de moda, que funciona muy bien en festivales y entre el público jove,n pero los medios masivos no le prestan apenas atención". "Se trata de una prueba piloto", afirma el promotor de Ciclo.org, Johnnie Estrella. Pero si todo sale bien, prevén repetir con otros cortometrajes y extender la distribución a producciones musicales.

Lo bueno de tener amigos con talento es que hasta en temporadas como esta, en que apenas puedo actualizar el "blog", siempre me queda el recurso de aprovechar alguno de sus mensajes para transmitiros ideas que, de haber intentado madurar yo, me habrían llevado su tiempo. He aquí el contenido de uno de los e-mails recibidos hoy de uno de ellos. Ni quito ni pongo; expresa a la perfección lo que pienso de nuestras televisiones en este día de arcada interminable.

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De Periodista Digital

13/03/05.

PROHIBIDO UN CARTEL PUBLICITARIO POR BLASFEMO

El Tribunal de Gran Instancia de París ha prohibido "por blasfema" que se lleve a la calle la última campaña publicitaria de la marca de moda Marithé Francois Girbaud. Los carteles de la firma de ropa presentan una fotografía que parodia el cuadro ’La última cena’ de Leonardo da Vinci.

La demanda, cursada por el procedimiento de urgencia por la Conferencia Episcopal francesa, a través de la asociación Creencia y Libertades, acusa a Girbaud de "utilizar una escena sagrada con fines mercantiles". Por ello, prohíbe expresamente que se desplieguen los cárteles con esa foto en lugares "de paso obligado para el público". El tribunal considera que esos cárteles "de dimensiones imponentes, que ninguna mirada puede evitar, constituyen un acto de instrucción agresiva y gratuita en el trasfondo de las creencias intimas" de los católicos.



En la audiencia del pasado 25 de febrero, el abogado de la asociación, Thierry Massis, que acusó a la agencia de publicidad Air Paris de injuriar a personas por su pertenencia a la religión católica, criticó en particular que la imagen de la marca de moda presenta a mujeres en posiciones "lascivas" y "sugestivas". Massis denunció que "los creyentes sólo pueden sentirse heridos y denigrados al ver que se apropian de una escena fundadora de su fe". La firma de moda ha explicado que su campaña buscaba resaltar la importancia de la mujer en la sociedad, pero el tribunal parisino ha desestimado su alegación y considera que la ofensa gratuita a los católicos supera las intenciones comerciales de la campaña. Los abogados de la iglesia argumentaron que trivializar los actos que constituyen el fundamento mismo de una religión es un insoportable acto de violencia moral. Marithe et Francois Girbaud tiene tres días para quitar los afiches de la campaña.

A nadie se le escapa que, además de en La Última Cena, la campaña trata de aprovechar el tirón del libro El Código Da Vinci, del estadounidense Dan Brown. En el anuncio de Marithe et Francois Girbaud, el único hombre aparece a la derecha de "la Nazarena", en el mismo lugar donde Dan Brown cree ver una mujer en el cuadro original de Da Vinci. En la trama de la novela, se habla de que es María Magdalena la que está sentada a la derecha de Cristo en el cuadro de Leonardo, donde debería estar el apóstol Juan. Para aumentar la controversia, el hombre está semidesnudo en el regazo de una mujer en una posición provocativa.

Las autoridades en la ciudad italiana de Milán ya habían han prohibido los afiches de la misma campaña publicitaria. Su argumento fue que "este tipo de imagen no puede ser utilizada como parodia para fines publicitarios sin ofender, al menos, a gran parte de la población". "Una de las mujeres besa el pecho desnudo de un hombre, lo que hace la imitación más ofensiva".

A pesar de las prohibiciones, analistas de mercado aseguran que gracias a ella la campaña publicitaria ha logrado mucha más repercusión.